Archive for the '*EL ARTISTA DE HOY' Category

08
Abr
11

PERSPECTIVA TOSCANA

PERSPECTIVA TOSCANA
(Vail Oxley)

Vail Oxley pasó la mayor parte de sus primeros años de vida con sus abuelos en el país cerca de Beijing, China, mientras sus padres trabajaban en la ciudad. El hermoso paisaje que disfrutó durante la pesca con su abuelo sigue inspirando su obra. Vail vive con su esposa y su familia en China, donde ha logrado el reconocimiento y ganó varios premios prestigiosos por su trabajo.  Además de ser exhibido en todo el país, sus obras han aparecido en numerosas publicaciones.

23
Feb
11

SI UN ESCRITOR DEJA DE OBSERVAR ESTA TERMINADO

SI UN ESCRITOR DEJA DE OBSERVAR ESTA TERMINADO

Esta famosa entrevista a Ernest Hemingway, y de la cual ofrecemos un fragmento, fue realizada por George Plimton y publicada originalmente en la revista The Paris Review en 1958 y editada en castellano en Narradores1. El Ateneo, 1996. Fue transcripta desde el diario Clarín de su edición del Domingo 18 de julio de 1999.
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-¿Le resultan placenteras las horas dedicadas al proceso de la escritura? ¿Podría decirnos algo de ese proceso? ¿Cuándo trabaja usted? ¿Mantiene un horario rígido?
-Me resulta muy placenteras. Cuando trabajo en un libro o en un relato escribo cada mañana, en cuanto haya luz. A esa hora nadie molesta y está fre3sco o frío, y uno se pone a trabajar y se caldea a medida que escribe. Uno lee lo que ha escrito, y como siempre se interrumpe cuando sabe qué es lo que va a ocurrir a continuación. Uno sigue a partir de ese punto. Uno escribe hasta llegar a un lugar en el que todavía le queda resto y sabe lo que ocurrirá a continuación, y allí uno se interrumpe y trata de vivir hasta el día siguiente para volver a seguir con eso. Uno ha empezado, digamos, a la seis de la mañana. Y puede seguir hasta el mediodía o dejar antes. Cuando uno se detiene está vacío, y al mismo tiempo no vacío sino llenándose como cuando ha hecho el amor con alguien a quien ama. Nada puede dañarlo, nada puede ocurrir, nada significa nada hasta el día siguiente, cuando uno vuelve al trabajo. Lo difícil es la espera hasta el día siguiente.
¿Puede quitarse de la cabeza el proyecto al que está entregado cuando está lejos de la máquina de escribir?
-Por supuesto. Pero para eso hace falta disciplina y esa disciplina se adquiere.
¿Hace alguna revisión o alguna reescritura cuando lee hasta el lugar en el que se interrumpió el día anterior? ¿O las revisiones vienen más tarde, cuando todo el trabajo está terminado?
-Todos los días reescribo hasta el punto en que dejé el día anterior. Cundo todo está terminado, naturalmente lo reviso. Así se tiene otra oportunidad de corregir y reescribir cuando otra persona lo mecanografía, y uno ve el material más prolijo. La última oportunidad son las pruebas. Uno agradece todas esas chances.

¿Reescribe mucho?
-Depende. Reescribí el final de Adiós a las armas, la última página, treinta y nueve veces antes de quedar satisfecho.
¿Había allí algún problema técnico? ¿Qué era lo que lo obstaculizaba?
-Buscaba las palabras adecuadas
.
Thornton Wilder habla de recursos mnémicos que ponen en marcha el día de trabajo de un escritor. Dice que una vez usted le dijo que les sacaba punta a veinte lápices.
-Creo que nunca tuve veinte lápices a la vez. Gastar la punta de siete lápices número 2 es un buen día de trabajo.
¿Cuáles lugares le resultaron más provechosos para trabajar? El hotel Ambos Mundos parece haber sido uno, a juzgar por la cantidad de libros que usted escribió allí. ¿O el ambiente no ejerce demasiada influencia sobre su trabajo?
– El Ambos Mundos de La Habana era un muy buen lugar para trabajar. Esta finca es un lugar espléndido, o lo fue. Pero siempre he trabajado bien en todas partes. Quiero decir que he podido trabajar tan bien como puedo en distintas circunstancias. El teléfono y los visitantes son los que destruyen el trabajo.
¿La estabilidad emocional es necesaria para escribir bien? Una vez me dijo que sólo podía escribir bien cuando estaba enamorado. ¿Podría explayarse más sobre el tema?
-Qué pregunta! Pero lo felicito por el intento. Uno puede trabajar en cualquier momento si la gente lo deja tranquilo y nadie interrumpe. O más bien, si uno puede ser despiadado con los demás. Pero la mejor escritura se produce, por cierto, cuando uno está enamorado. Si a usted le da lo mismo, prefiero no explayarme sobre el tema.
¿Y qué ocurre con la seguridad económica? ¿Puede hacer daño a una buena escritura?
-Si llega temprano en la vida y uno ama la vida tanto como el trabajo, hace falta mucho carácter para resistir las tentaciones. Una vez que la escritura se ha convertido en el mayor vicio de uno, en el mayor placer, sólo la muerte puede interrumpirla. La seguridad económica es entonces una gran ayuda, ya que evita preocupaciones. Las preocupaciones destruyen la capacidad de escribir.

¿Puede recordar exactamente el momento en que decidió convertirse en escritor?
-No, siempre quise ser escritor.
Cuando escribe, ¿alguna vez descubre que está influido por lo que está leyendo en ese momento?
-No desde que Joyce estaba escribiendo Ulises. La de él no fue una influencia directa. Pero en esa época en que las palabras que conocíamos estaban prohibidas para nosotros y teníamos que luchar por una sola palabra, la influencia de su obra fue lo que cambió todo y nos hizo posible romper con las restricciones.
-¿Pudo aprender algo de los escritores, algo sobre la escritura? Ayer me decía usted que Joyce, por ejemplo, no soportaba hablar sobre la escritura.
. -En compañía de gente del mismo oficio, uno habitualmente habla de los libros de otros escritores. Cuanto mejor sea un escritor, tanto menos hablará de lo que él mismo ha escrito. Joyce era un escritor muy grande y sólo les explicaba lo que estaba haciendo a los tontos. Los escritores que él verdaderamente respetaba supuestamente eran capaces de darse cuenta de lo que él estaba haciendo, simplemente leyéndolo.
Durante los últimos años usted parece haber eludido la compañía de los escritores. ¿Por qué?
-Eso es más complicado. Cuanto más lejos va uno con la escritura, tanto más solo está. Casi todos los viejos amigos, los mejores, mueren. Otros se alejan. Uno no los ve más que raramente, pero uno escribe y tiene con ellos casi el mismo contacto que tenía cuando se encontraba con ellos en el café, en los viejos tiempos. Uno intercambia cartas cómicas, a veces alegremente obscenas e irresponsables, y eso es casi tan bueno como charlar. Pero uno está más solo porque así es como debe trabajar y el tiempo para trabajar se acorta todo el tiempo y si uno lo malgasta siente que ha cometido un pecado para el cual no hay perdón.
¿Podría decirnos cuánto esfuerzo deliberado invirtió en el desarrollo de su estilo distintivo?
-Esa es una pregunta extensa y cansadora, y si uno se pasara un par de días respondiéndola, se sentiría tan autoconsciente que ya no podría escribir. Podría decir que lo que los amateurs llaman un estilo suele ser tan sólo la inevitable torpeza de alguien que intenta por primera vez hacer algo que no se ha hecho antes. Casi ningún nuevo clásico se parece a otros clásicos previos. Al principio la gente sólo ve la torpeza. Después la torpeza ya no es tan perceptible. Cuando aparece, la gente piensa que esas muestras de torpeza son el estilo y muchos las copian. Eso es lamentable.
Usted me escribió una vez que las simples circunstancias en las que fueron escritas diversas obras de su ficción podían resultar instructivas. ¿Podría aplicarse eso a Los asesinos -usted dijo que lo había escrito, junto con Diez indios y Hoy es viernes, todo en un solo día- y tal vez también a su primera novela Fiesta?
-Veamos. Empecé Fiesta en Valencia, el día de mi cumpleaños, el 21 de julio. Mi esposa Hadley y yo habíamos ido a Valencia con tiempo para conseguir buenas entradas para la feria, que empezaba el 24 de julio. Toda la gente de mi edad ya había escrito una novela, y yo todavía tenía dificultades para escribir un párrafo. Así que empecé el libro el día de mi cumpleaños, lo escribí durante la feria, a la mañana, en la cama, y fui a Madrid y seguí escribiéndolo allí. En Madrid no había feria, así que teníamos una habitación con una mesa y yo escribía con gran lujo en esa mesa, y a la vuelta de la esquina del hotel, en una cervecería del Pasaje Alvarez, donde estaba más fresco.Finalmente se puso muy caluroso para escribir y nos fuimos a Hendaya. Allí había un hotel barato, sobre esa enorme y larga playa solitaria, y trabajé muy bien, y después fuimos a París y terminé la primera versión en el departamento que estaba sobre el aserradero, en el 113 de la calle Notre-Dame-des-Champs, seis semanas después del día que lo había empezado .Le mostré la primera versión a Nathan Asch, el novelista, quien entonces tenía un acento muy marcado, y él me dijo: Hem, ¿qué quieres decir con que has escrito una novela? Una novela, oh. Hem, eso será un libro de viaje. Nathan no me desalentó demasiado, y reescribí el libro, conservando lo de viaje (era la parte sobre la excursión de pesca y Pamplona), en Schruns, en el Voralberg, en el hotel Taube. Los relatos que usted mencionó los escribí en un día, el 16 de mayo, en Madrid, cuando la nieve suspendió las lidias de toros de San Isidro. Primero escribí Los asesinos, algo que había intentado escribir antes y no lo había logrado. Después, tras el almuerzo, me metí en la cama para mantenerme abrigado y escribí Hoy es viernes. Tenía tanta energía que pensé que me volvería loco, y tenía más o menos otros seis cuentos para escribir. Así que me vestí y salí y fui hasta Fornos, el viejo café de los toreros, y tomé café y después volví y escribí Diez indios. Eso me entristeció mucho y tomé un poco de brandy y me fui a dormir. Me había olvidado de comer y uno de los camareros me trajo un poco de bacalao y carne y papas fritas y una botella de Valdepeñas.La mujer que regenteaba la pensión siempre se preocupaba porque yo no comía lo suficiente y había enviado al camarero. Recuerdo que me senté en la cama y comí y bebí el Valdepeñas. El camarero dijo que me traería otra botella. Dijo que la señora quería saber si yo pensaba escribir toda la noche. Le dije que no, que creía que me acostaría un rato. Por qué no trata de escribir uno más, me preguntó el camarero. Se supone que sólo debo escribir uno, dije yo. Tonterías, dijo él. Podría escribir seis. Lo intentaré mañana, dije. Inténtelo esta noche, dijo él. ¿Por qué cree que la señora le envió la comida? Estoy cansado, le dije. Tonterías, dijo él (la palabra no fue en realidad tonterías). Está cansado después de tres miserables cuentos. Tradúzcame uno. Déjeme tranquilo, le dije. Cómo puedo escribir si usted no me deja tranquilo. Así que me senté en la cama y bebí el Valdepeñas y pensé qué escritor condenadamente bueno sería yo si el primer cuento era tan bueno como esperaba.

¿Usted disfruta leyendo sus propios libros… sin sentir que le gustaría hacer algunos cambios?
-A veces, cuando me resulta difícil escribir, los leo para levantarme el ánimo, y después recuerdo que siempre me resultó difícil y a veces casi imposible.
¿El título se le ocurre mientras está en el proceso de elaborar la historia?
-No, hago una lista de títulos después de haber terminado el relato o el libro… a veces son más de cien. Después empiezo a eliminarlos, y a veces los elimino a todos.
¿Y hace eso también en los casos en los que el título de un relato ha sido sugerido por el mismo texto, como por ejemplo en el caso de Colinas como elefantes blancos?
-Sí. El título viene después. Encontré a una muchacha en Prunier, donde había ido a comer ostras antes del almuerzo. Sabía que ella había tenido un aborto. Me acerqué y hablamos, no sobre eso, pero en el camino a casa se me ocurrió la historia, salteé el almuerzo y me pasé esa tarde escribiéndola.
Entonces, cuando está escribiendo, usted es constantemente un observador en busca de algo que pueda usar.
-Sin duda. Si un escritor deja de observar está terminado. Pero no debe observar conscientemente ni pensar de qué modo algo le será útil. Tal vez al principio eso sea cierto. Pero más tarde todo lo que ve se integra a la gran reserva de cosas que sabe o que ha visto. Si de algo sirve saberlo, siempre trato de escribir de acuerdo con el principio del iceberg. Hay nueve décimos bajo el agua por cada parte que se ve de él. Uno puede eliminar cualquier cosa que sepa, y eso sólo fortalecerá el iceberg. Si un escritor omite algo porque no lo sabe, habrá un agujero en su relato. El viejo y el mar podría haber tenido más de mil páginas, y dar cuenta de cada personaje de la aldea y del proceso de cómo vivían, cómo habían nacido, cómo se habían educado, tenido hijos, etcétera. Otros escritores hacen eso de manera excelente. Al escribir, uno está limitado por lo que ya se ha hecho de manera satisfactoria. Así que he tratado de aprender a hacer otra cosa. Primero traté de eliminar todo lo innecesario para transmitir experiencia al lector, para que después de haber leído algo, lo leído se convirtiera en parte de su propia experiencia, y le pareciera que realmente había ocurrido. Es algo muy difícil de hacer, y trabajé muy duramente para lograrlo. De todos modos, para no explicar cómo se hace, tuve una suerte increíble en ese momento y pude transmitir la experiencia completamente. Y pude lograr que fuera una experiencia que nadie había transmitido antes. La suerte fue que tuve un buen hombre y un buen muchacho, y que últimamente los escritores se han olvidado de que todavía existen esas cosas. Después, el océano: vale tanto la pena escribir sobre el océano como sobre un hombre. Así que también fui afortunado en eso. He visto el acoplamiento de los peces espada, así que es algo que conozco. Eso no lo cuento. He visto un cardumen de más de cincuenta ballenas en esa misma zona del agua, y en una oportunidad arponeé a una de casi dieciocho metros de largo, y la perdí. De modo que eso no lo cuento. No cuento ninguna de las historias que conozco sobre la aldea de pescadores. Pero ese conocimiento es lo que constituye la parte sumergida del iceberg.
¿Puedo preguntarle en qué medida considera usted que el escritor debe involucrarse en los problemas sociopolíticos de su época?
-Cada uno tiene su propia conciencia, y no debería haber reglas para el funcionamiento de la conciencia. De lo único que podemos estar seguros con respecto a un escritor politizado es que, si su obra dura, uno tendrá que pasar por alto la política cuando lo lea. Muchos de los escritores llamados políticamente comprometidos cambian sus ideas políticas frecuentemente. Esto les resulta muy excitante, a ellos y a los reseñistas político-literarios. A veces hasta deben reescribir sus puntos de vista… y apresuradamente. Tal vez todos eso pueda respetarse considerando que es una forma de búsqueda de la felicidad.
¿Diría que alguna vez hay una intención didáctica en su obra?
-Didáctica es una palabra que ha sido mal utilizada y arruinada. Muerte en la tarde es un libro instructivo.
Se ha dicho que un escritor sólo trata una o dos ideas en toda su obra. ¿Usted diría que su obra refleja una o dos ideas?
Bien, tal vez sería mejor expresarlo de esta manera: Graham Greeene dijo en una de estas entrevistas que una pasión regente da a todo un anaquel de novelas la unidad de un sistema. Usted mismo ha dicho, según creo, que las grandes obras se producen a partir de un sentimiento de injusticia ¿Considera que es importante que un novelista sea dominado de ese modo… por algún sentimiento tan intenso?
-El señor Greeene tiene una facilidad para hacer afirmaciones que yo no poseo. A mí me resultaría imposible hacer generalizaciones sobre un anaquel de novelas o sobre una bandada de patos o una manada de caballos. No obstante, intentaré una generalización. El escritor que carezca de sentido de la justicia y de la injusticia haría mejor en dedicarse a editar el anuario de una escuela de chicos excepcionales en vez de escribir novelas. Otra generalización. Ya ve, no son tan difíciles cuando son suficientemente obvias. El don más esencial para un buen escritor es tener un detector de mierda incorporado, a prueba de golpes. Ese es el radar de un escritor. Y todos los grandes escritores lo han tenido.
Finalmente, una pregunta fundamental: ¿cuál cree usted que es la función de su arte? ¿Por qué una representación de los hechos en vez de los hechos mismos?
-¿Por qué preocuparse por eso? A partir de las cosas que han ocurrido y de las cosas tal como existen y de todas las cosas que uno sabe y de todas aquellas que no puede saber, uno hace algo por medio de la invención, algo que no es una representación sino una cosa nueva más real que cualquier otra real y viva, y uno le da vida, y si la hace suficientemente bien, también le da inmortalidad. Por eso uno escribe.

23
Ene
11

LA TEMPESTAD

LA TEMPESTAD
(Giorgionne)

(Giorgio de Castelfranco, llamado: Giorgionne) (castelfranco, Veneto, h.1477- Venecia, 1510)
Pintor Italiano, iniciador de la Escuela veneciana, discípulo de G. Bellini. Supo obtener efectos de luz admirables; sus formas se diluyen en una atmósfera vaporosa y fluida (“La Tempestad”, Venecia).Sus temas son a menudo enigmáticos y su producción poco abundante. “El Concierto Campestre”, (Louvre), cuya atruibución a él o a Ticiano no está clara, parece tener un cierto sentido alegórico oculto.

20
Sep
10

UN VASO DE CHAMPÁN, UVAS Y CIRUELAS, UN MELOCOTÓN EN UNA REPISA DE MÁRMOL

Un vaso de champán, uvas y ciruelas un melocotón en una repisa de mármol
(Emilie Preyer)

Pintora alemana (1849-1930)

07
Ago
10

EL CHEQUE EN BLANCO

EL CHEQUE EN BLANCO
(Rene Magritte)

(Lessen, 1898-Bruselas, 1967)
Pintor surrealista belga; su estilo se basa en la yuxtaposición insólita de indivíduos y objetos pintados con minucioso realismo. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realiza sus primeros cursos de pintura en Chàtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918  estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920  junto a Pierre Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923  participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico.

Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.

(Extractos de Wikipedia,  la Enciclopedia Libre)

01
Jul
10

LES JEUX TERRIBLES

LES JEUX TERRIBLES
(Los Juegos Terribles, 1925) 
GIORGIO DE CHIRICO

Gran pintor italiano de mis preferidos surrealistas, autor de pinturas metafísicas muy interesantes y de gran talento, uno de las mayores influencias de pintura surrealsta sobre otros pintores, como Salvador Dalí, Max Ernst, y René Magritte.

Les-Jeux-Terribles1925DeChirico

19
Feb
10

A WOMAN AT THE WINDOWS

 A WOMAN AT HER WINDOWS
(Henri de Toulouse-Lautrec)

Henri de Toulouse-Lautrec
(Albi, 1864-Castillo de Malromé, Gironda, 1901)

Pintor, litógrafo y cartelista francés. Descendiente de los condes de Tolosa, víctima de una malformación congénita de los huesos y de dos caídas de caballo, quedó enano y cojo. En 1881 se estableció en París y estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes. Abandonó las directrices académicas y se trasladó a Montmartre (1884), donde frecuentó y pinto cabarets, bailes y burdeles. Produjo en pocos años más de 5,000 dibujos, cerca de 400 litografías y carteles y un millar de pinturas: “Jeanne Avril bailando” (1892, Louvre), “Mujer estirándose las medias” (1894, Albi), Yvette Guilbert saludando al público” (1894, Albi), “El Baile de Moulin Rouge” (1897). Sifilítico, alcoholico, fue internado (febrero-mayo, 1899) en una Clínica de Neuilly, donde realizó una serie de 39 Escenas Circenses. Al darle de alta volvió de nuevo a la bebida. Su estado de salud empeoró y murió durante su estancia en el Castillo familiar.

15
Ene
10

TODAS LAS LÁGRIMAS DE DORA MAAR

TODAS LAS LÁGRIMAS DE DORA MAAR
(Por Manuel Vicent)

Pintora, fotógrafa, poeta, la amante de Picasso prestó sus ojos a su cuadro más famoso, el Guernica.

En el cuadro del Guernica aparecen cuatro mujeres entre los escombros del bombardeo, todas con la boca abierta por un grito de terror, las cuatro mujeres son la misma, Dora Maar, la amante de Picasso en aquel tiempo. Hay un detalle añadido: los ojos del toro erguido en el ángulo izquierdo también son los de Dora Maar, que en la realidad eran de un azul pálido y algún psicoanalista lacaniano sabrá explicar el significado de un toro con ojos de mujer, que a su vez son idénticos a los del guerrero, cuyo cuerpo se halla destrozado en la base del cuadro.

Picasso conoció a Dora Maar a principios de 1936. Su encuentro se ha convertido ya en una fábula excelsa de sadomasoquismo. Estaba el pintor una noche en el café Deux Magots de París con el poeta Paul Éluard y vio que en la mesa vecina una joven parecía entretenerse dejando caer la punta de una navaja entre los dedos separados de su mano enguantada, abierta sobre el mármol del velador. No siempre acertaba, puesto que el guante estaba manchado de sangre. El pintor se dirigió a ella en francés y la joven le contestó en un español gutural, la voz un poco ronca, temblorosa, con acento argentino. Después de una excitada conversación el pintor le pidió la prenda ensangrentada como recuerdo y ella le dio a Picasso no sólo el guante sino la mano y el resto del cuerpo, sin excluir su alma atormentada, no en ese momento, puesto que Picasso, presintiendo la tempestad amorosa que se avecinaba, echó tierra por medio y se fue a la Costa Azul, pero allí en casa de unos amigos comunes se volvió a encontrar con la mujer ese verano y ya no tuvo escapatoria. Bajo el esplendor mórbido del sol de Mougins, filtrado por los sombrajos de cañizo, sus cuerpos comenzaron a cabalgar en busca de la violenta alma contraria.

 Dora Maar no era una neófita en esta batalla con los hombres. Venía de los brazos de Georges Bataille, rey de la transgresión erótica, con quien había experimentado todos los sortilegios de la carne. Según su teoría los burdeles deberían ser las verdaderas iglesias de París. Bataille, junto con Breton, lideraba el grupo surrealista de izquierdas Contre-Attaque, que se reunía en un ático muy amplio de la Rue des Grands Agustins, 7, y se había hecho famoso por el libro Historia de un ojo, una mezcla de pornografía y lirismo con aditivos de violencia, autodestrucción y ceguera: el ojo -huevo que se introduce en la vagina-. En ese mundo se movía Dora Maar, exótica, bella y radical, siempre coronada con sombreros extravagantes.

Dora Maar era pintora, fotógrafa y poeta, hija de madre francesa y de un arquitecto croata, instalado en París, que encontró trabajo durante algunos años en Argentina. Con ella atravesó Picasso los años de la Guerra Civil española y la ocupación nazi de París, desde 1936 a 1943, un tiempo en que el pintor vivía en medio de un vaivén de mujeres superpuestas. Su esposa Olga había sido suplantada por la dulce y paciente Marie Thérèse Walter, de la que le había nacido su hija Maya, y ese oleaje le había traído, como el madero de un naufragio, a Dora Maar, que tuvo que desplegar todas las artes para agarrar y no soltar los testículos de aquel toro español del Guernica, que según algunos críticos es el autorretrato del pintor.

A inicios del año 1937 el Gobierno de la República española le encargó un mural a Picasso para la Exposición Internacional de París, que iba a inaugurarse en el mes de mayo. El contrato lo formalizó el cartelista Josep Renau, director general de Bellas Artes, en un bistró de la Rue de Bôetie, sobre una servilleta de papel y después se fue a jugar al futbolín con Tristán Tzara. La tragedia española estaba en su apogeo. Picasso sólo quiso cobrar los materiales, el lienzo y las pinturas, que, por cierto, fueron de una evidente mala calidad, como demuestra el deterioro en que se encuentra la obra. Dora Maar conocía el ático de la Rue des Grans Agustins, donde había celebrado diversas ceremonias demoniaco-surrealistas. Se lo mostró a Picasso para que lo alquilara. El local era famoso porque Balzac había situado allí la novela La Obra Maestra Desconocida, que trata de la obsesión de un pintor por representar lo absoluto en un cuadro. Dora Maar pensó que en el local había espacio suficiente para trabajar en un cuadro de gran tamaño. Y en ese ático comenzó Picasso una doble lucha. Durante los primeros meses no se le ocurría nada. Comenzó a realizar bocetos en torno a una especie de tauromaquia en medio de la convulsión de los desastres de una guerra, mientras Dora Maar iba levantando acta con la cámara de los esfuerzos y arrepentimientos del artista. En unos bocetos el caballo relinchaba abajo, en otros el toro mugía de otro lado. Dora Maar era a la vez testigo y protagonista, puesto que su rostro de frente ovalada y grandes ojos como lágrimas se repetía en todos los intentos en distintas figuras femeninas. Picasso incluso dejó que su amante pintara algunas rayas.

Mientras el Guernica tomaba la forma definitiva, alrededor del lienzo se había establecido otra suerte de bombardeo, que causó una catástrofe amorosa. En el ático entró un día la dulce y paciente Marie Thérèse Walter y se enzarzó a gritos con Dora Maar. Con insultos que se oían desde la calle, le echó en cara el haberle robado a su amante, al que ella había dado una hija. A esta escena violenta de celos se unió Olga, la compañera legal, y mientras las tres mujeres gritaban, Picasso seguía alegremente pintando el Guernica, muy divertido. Esta reyerta explosiva se hizo famosa en el Barrio Latino. El día 26 de abril de 1937, cuando el cuadro ya estaba casi terminado, sucedió el espantoso bombardeo de Guernica por la Legión Cóndor. En homenaje a esa villa bilbaína, donde se conservaban los símbolos de un pueblo vasco, Picasso tituló el cuadro con su nombre. A partir de ese momento el Guernica se convirtió en un cartel universal contra la barbarie.

La batalla la había ganado Dora Maar. Ese mismo verano de 1937 se les ve muy felices en las playas de Antibes en compañía de otros seres maravillosos, desnudos en sillones y hamacas, Nush y su marido Éluard, Man Ray y su novia Ady, bailarina de Martinica, Lee Miller y Rolland Penrose, Jacqueline Lamba y André Bréton. Jugaban a intercambiarse los nombres y las parejas a la hora de la siesta y el más vanguardista en el sexo también era Picasso, que, según contaba Marie Térèse, solía practicar la coprofagia con sumo arte.

Picasso ejerció sobre Dora Maar otra suerte de sortilegio a la manera de su antiguo amante Georges Bataille. La convirtió en La Mujer Que Llora: así aparece, erizada por el llanto en casi todos los cuadros en que ella le sirvió de modelo. Hasta su separación sumamente traumática Dora Maar fue la Dolorosa traspasada por siete navajas, que eran todas la misma que ella usaba el día en que se conocieron en el café Deux Magots, un símbolo del dolor de la guerra y del placer de la carne.

“Después de Picasso, sólo Dios”, exclamó Dora Maar ante Lacan, el psicoanalista que la ayudó soportar el abandono del pintor. La mujer entró en una fase mística, se retiró del mundo, se encerró en su apartamento de París y sobrevivió un cuarto de siglo al propio artista. Murió en 1997, a los 90 años. En el Guernica sus ojos en forma de lágrimas se repiten en el toro, en el guerrero, en la madre que grita de terror con un niño muerto en los brazos, en la mujer que huye desnuda bajo las bombas, tal vez, desde un lavabo con un papel en la mano y en la que saca una lámpara por la ventana e ilumina todas las tragedias de la historia.

Articulo: http://www.elpais.com 26/12/2009

15
Ene
10

DORA MAAR

12
Dic
09

JEUNE FILLE DEVANT UN MIROIR

JEUNE FILLE DEVANT UN MIROIR
“Chica joven delante de un Espejo”
(Pablo Picasso)

PABLO PICASSO
(Málaga, 1881- Mougins, Francia, 1973)
Pintor español, estudió en Madrid, Barcelona y París, donde frecuentó círculos artísticos que darían paso a “La Escuela de París” y donde se quedó a vivir. Este es el comienzo de su época “azul” (1903-1904) a la que pertenecen “Pobres a la Orilla del Mar” (National Gallery Washington) y “La Vida” (Museo de Cleveland). Seguidamente viajó a Bruselas y empezó su “época rosa”, en la que predominan sus temas circenses (payasos, arlequines): “Acróbatas de la bola” (Museo Pushkin). “Famila de saltimbanquis” (National Gallery, Washington). A partir de aquí evolucionó hacía formas geométricas. “Les Demoiselles D’Avignon” (Museo de Arte Moderno, Nueva York, 1907). Desde 1909 se dedicó al cubismo, junto a Braque, tendencia que revolucionaría el arte contemporáneo. En su obra cubista se distinguen dos direcciones: el cubismo analítico y el sintético. Estudió también la técnica del “papier collé”. De 1915 a 1925 data su época clásica “Tres Mujeres en la fuente” (museo de Arte Moderno, Nueva York); “Arlequín” (Museo Picasso Barcelona), “Mujer en Camisa en un Sillón” (Colección Particular, Florencia). Siguió la época Neoclásica o la del “periodo Pompeyano”: “Mujer Sentada” (Tate Gallery, Londres). Picasso abordó todos los campos de la expresión, cerámica, teatro, escultura, (“Retrato de Olga”, 1918), litografía, ilustración de libros murales (Vallauris y la Unesco, 1958). Picasso es el mayor exponente del arte del s.XX. Entre sus obras cabe destacar el “Guernica”, (Casón del Buen retiro de Madrid, España), producto de la visión del autor sobre la Guerra Civil en España y el bombardeo de la ciudad de Guernica. otras: “Pablo Arlequín” y “Pablo, Pierrot”, “La Danza”, (Tate Gallery, Londres), el “Collage”, “Guitarra”, “Gato devorando un pájaro” (colección particular, Nueva York), “Naturaleza Muerta con cabeza de Buey” (kunstsammiung, Düsseldorf, 1942). “La Alborada” (Museo de Arte Moderno París), “Las Señoritas de las Márgenes del Sena”, variaciones sobre el tema de Courbet (1950), “Almuerzo Campestre” sobre el mismo tema de Manet (1961), y la serie de “Las Meninas”, sobre el tema de Velazquez (1957)

23
Ago
09

THE HARVEST

THE HARVEST
(Vincent Van Gogh – 1853-1890)

 THE HARVEST Vincent Van Gogh

“La Cosecha”, pintura poco conocida del pintor Vincent Van Gogh de 1888, pintada al oleo sobre lienzo (73 X 92 cm). Cuyo ejemplar se encuentra en Amsterdam en el Museo Vincent Van Gogh.
Pintura construida en planos horizontales. Van Gogh estaba interesado no sólo en la belleza de las pinturas soleadas, sino en representar la esencia de la vida. A  la derecha hay un hombre con una horca cerca al pajar y las carretas. El artista ha tratado de ilustrar algunas facetas de la vida campesina.

25
May
09

LA PINTURA METAFÍSICA DE GIORGIO DE CHIRICO

01
May
09

FRIDA KAHLO, RETRATO DE UNA VIDA

frida-kahlo-1

FRIDA KAHLO, RETRATO DE UNA VIDA
(Por Gina Martínez-Vargas Araníbar)

La Vida de Frida Kahlo fue pasión, disfraces para el escenario de la vida, intensidad, ternura, desencanto, amor, vivacidad, un aferrarse para no ser vencida por la contundente realidad de un destino marcado por la cicatrices. Una cruz, una mueca triste, pero sobre todo: dolor.

Intentar abarcarla es casi imposible, aunque el espejo fragmentado de su vida, nos refleja su existencia oscurecida por la pena, como testimonio vivo de la fatalidad.

Magdalena Cármen Frida Kahlo Calderón, nace en “la Casa Azul” de Coyoacán México, un 6 de julio de 1907, tercera hija de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. Le preceden  sus hermanas Matilde Junior y Adriana, luego nacería la cuarta, Cristina.

1926_-_18_ans                                  (Frida, a los 18 años)

De su padre, un emigrate alemán, heredará sus ansias de libertad, una gran inteligencia y sensibilidad para las artes y de su madre, una nativa mexicana, la dulzura, la vivacidad y un espíritu arraigado a su país. Ella misma los describiría así:

“Mi padre Guillermo Kahlo, era muy interesante, de basta elegancia al moverse, al caminar. Tranquilo, laborioso, valiente…” F.K.

1926_-__adriana_cristina_frida_carmen_romero__carlos_veraza(Adriana, Cristina, Frida, Carmen Romero y Carlos Veraza, 1929)

A su madre en cambio, la rememora de esta guisa: “Era una mujer bajita, de ojos muy bonitos, muy fina de boca, morena. Era como una campanita de Oaxaca, donde había nacido. Cuando iba al mercado ceñía con gracia su cinturón y cargaba coquetamente su canasta. Muy simpática, activa,  inteligente. No sabía leer, ni escribir, sólo sabía contar el dinero”. F.K.

A raíz de una caida en el parque de Chapultepec, cuando paseaba con su padre, se hace un gran daño en la pierna derecha y le diagnostican un “tumor blanco” y “poliomelitis”. Tras pasar varios meses en cama, resulta con un pie ligeramente atrofiado y desde entonces una pierna más delgada y más corta que la otra, que le obligaron a llevar botas ortopédicas, presagio de un largo y tortuoso camino que se convertiría en un gran pesar hasta el final de sus días.

No obstante nada opacó el desarrollo normal y despierto de aquella adolescente y al hallarse ante un nuevo reto en 1922 en la Escuela Preparatoria Nacional, supera el exámen de ingreso, antesala obligada de los estudios Universitarios. Y aunque aquella Escuela, queda alejada de su casa, en el Centro Antiguo de Tenochtitlán, cuyo parque central era conocido como el Zócalo, ciudad más poblada y ruidosa donde Frida aprende a moverse y a descubrir un mundo diferente. Allí Frida se integra a un Grupo Anarquista heterogéneo, creativo, abierto, original y provocador, quienes reinvindican un socialismo de retorno a las fuentes. El Grupo se llamó: “Los Cachuchas” (por el nombre de sus gorras), lo integraban 9, dos eran chicas. El Grupo se nutría de Literatura, filosofía, poesía extranjera, o hispanoamericana. Frida estaba ávida de conocimientos y en su afán por expresar cosas en lenguaje argótico inventa un vocabulario personal, el “fridesco”.

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El primer encuentro con el pintor Diego Rivera, ocurre el 22 de noviembre de 1910. Rivera había sido elegido por el Ministerio de Cultura para la realización de un mural en el Anfiteatro Bolívar, de la Escuela Preparatoria Nacional, donde Frida movida por la curiosidad acude y le hace conversación mientras pintaba. Sobre este primer encuentro Rivera comentaría más tarde: “La chica se quedó casi tres horas. Cuando se marchó sólo dijo: “Buenas noches”.

Sin embargo, el primer amor de Frida Kahlo no fue Diego Rivera, sino Alejandro Gómez Arias. Su mejor amigo, burgués, inteligente, culto y gran orador e integrante de “Los Cachuchas”, con quien mantendría intercambio epistolar más tarde.

Frida encuentra empleo en la Biblioteca del Ministerio de Educación, pero a raíz de un escándalo en la que se la relaciona con una compañera de trabajo, es despedida.

1941_-_frida_and_emmy_lou_in_the_garden_of_the_casa_azul                 (Frida y Emmy Lou en el jardín de La Casa Azul)

El 17 de septiembre de 1925 Frida sufre un terrible accidente; el autobús que la llevaba de regreso a casa, en compañía de su novio Alejandro Gómez, choca en un cruce con el tren de Xochimilco. Ella lo relata así:

“Los camiones de mi época eran absolutamente endebles; comenzaban a circular y tenían mucho éxito; los tranvías andaban vacíos. Subí al camión con Alejandro Gómez Arias…momentos después el camión chocó con un tren de la línea Xochimilco…Fue un choque extraño; no fue violento, sino sordo, lento y maltrató a todos. A mi mucho más…antes habíamos tomado otro camión; pero a mi se me había perdido una sombrilla; nos bajamos a buscarla, y fue así que vinimos a subir a aquel camión, que me destrozó. El accidente ocurrió en la esquina, frente al mercado de San Juan, exactamente enfrente…Mentiras que uno se da cuenta del choque, mentiras que se llora. En mi no hubo lágrimas. El choque nos brincó hacia adelante y a mi el pasamanos me atravesó como la espada de un toro” F.K.

En los primeros momentos del accidente, fue el propio Alejandro quien se encargó de asistirla, y puesta la malherida y sangrante Frida sobre una mesa de billar que se improvisa, sin perder la sangre fría procede él mismo le arrancar de su cuerpo el trozo de hierro que la atravesaba, en una intervención rápida y brutal. Posteriormente se encargan de ella los servicios de urgencias. No podía preveerse que siguiera viviendo dada la gravedad de su estado.

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Frida relataría más tarde en sus memorias el efecto que el accidente produjera en su familia: “Matilde leyó la noticia en los periódicos y fue la primera en llegar y no me abandonó por tres meses; de día y de noche a mi lado. Mi madre se quedó muda durante un mes por la impresión y no fue a verme. Mi hermana Adriana al saberlo se desmayó. A mi padre le causó tanta tristeza que enfermó y sólo pude verlo después de 20 días” F.K.

El diagnóstico se produjo un mes más tarde. “Fractura en la tercera y cuarta vértebras lumbares, tres fracturas en la pelvis, once fracturas en el pie derecho, luxación del codo izquierdo, herida profunda en el abdómen, producida por una barra de hierro que entró por la cadera izquierda y salió por el sexo, desgarrando el labio izquierdo. Peritonitis aguda. Cistitis que requiere sonda durante muchos días”. A partir de allí tuvo que llevar un corsé de yeso durante 9 meses, después de salir del hospital. E increiblemente Frida Empezó a renacer poco a poco.

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                              (La Columna Rota, 1944)

El 18 de diciembre Frida da su primer paseo por la plaza central del zócalo, sintiendo que afortunadamente está viva. Su intento por volver a contactar con Alejandro en esos días fue inútil, encima sobrellevar el desamor, aunque ella se aferraba a la ilusión.

En esa temporada Frida aflora una cierta androginia vistiendo con trajes de muchacho, ya lo anticiparía ella: “Mis juguetes fueron los de muchacho: patines, bicicleta”. Hecho que más tarde también se haría patente al pintar en 1940 su autorretrato: “Cortándome el pelo con unas tijeritas” y al manifestar en sus memorias sus relaciones lésbicas.

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Hacia finales del verano de 1926 Frida empeora teniendo que mantenerse en cama inmobilizada por tres vértebras desplazadas y complicaciones en la pierna, se precisa volver a llevar el corsé y una prótesis en la pierna derecha.

A partir de entonces surge en Frida una constante visión de sí misma. Lee mucho a Proust e intenta llenar sus horas pintando. Su primera pintura fue para Alejandro, en la cual se representa ella, busto y cara…”Y sin prestarle realmente atención, empecé a pintar” F.K.

En 1927 Alejandro la visita en Oaxaca, pero enseguida sus padres lo envían a estudiar a Europa, en un intento por alejarlo de Frida. Ella soporta impotente esta súbita decisión, tanto así como seguir soportando la tortura del corsé.

Según se lo permite su salud. Frida fue agregando más pinturas, aunque no puede proyectarse al futuro. El tiempo parece interminable y por momentos pierde las esperanzas de poder viajar algún día a conocer lugares.

Y cuando Alejandro retorna de Europa. Frida estaba casi restablecida y concentrando todas sus energías en conseguir un trabajo, sin embargo Alejandro se enamora de Esperanza Ordoñez, una amiga común.

Frida empieza a frecuentar ambientes y círculos de artistas, sin dejar de militar en el Partido Comunista, así vuelve a tener contacto con el hombre de su vida, Diego Rivera. En medio de tanto artista extravagante, ya no sorprendía ver a Frida en ocasiones vestida de hombre, traje con el que disimulaba bien su cojera.

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El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera contrae matrimonio con Frida Kahlo. Su padre pareció resignarse, pero su madre se sintió dolida a juzgar, por ser mayor que ella, gordo, feo, artista, bohemio, comunista, ateo, controvertido y vividor. Ella narra:”…Me enamoré de Diego y eso desagradó a mis padres porque Diego era comunista y se parecía, decían ellos, a un gordo, gordísimo Breughel. Decían que era una boda entre un elefante y una paloma…A pesar de todo…nos casamos el 21 de agosto de 1929…Nadie asistió a la boda a excepción de mi padre, que le dijo a Diego: “No olvide que mi hija es una persona enferma y lo será toda su vida: es inteligente, pero no guapa. Piénselo…y si a pesar de todo desea casarse con ella, le doy mi consentimiento”.

Diego, que se había casado antes por la iglesia con Guadalupe Marín y tuviéron 2 hijas. Se casó con Frida de una forma más oficial en el Ayuntamiento de Coyoacán.

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Más tarde Frida pierde al primer hijo que esperaba, el doctor Marín tuvo que provocarle el aborto por malformación de la pelvis, que impediría a Frida seguir adelante con el embarazo, hecho que le afectó y desconsoló mucho.

El 10 de noviembre de 1930 Rivera viaja con Frida a los Estados Unidos, donde a él se le han encargado unos trabajos. Era el primer viaje de Frida al extranjero y se instala en San Fancisco, en casa del escultor Ralph Stackpole. Allí Frida realiza varios retratos, entre ellos el del Dr. Eloesser, a quien confía sus dolencias. Con ganas de vivir y conocer sale asiduamente por San Francisco y frecuenta mucho el barrio Chino, empezándo a sentirse muy sola.

Posteriormente realiza un viaje a Nueva York, donde Frida intenta llenar su vida saliendo y visitando lugares. Más tarde se trasladan a Detroit donde Rivera es solicitado para pintar unos murales y donde Frida vuelve a estar embarazada, aunque pronto perderá a su hijo, acentúandose su malestar y experientando un gran vacío y soledad. El abatimiento la persigue y se refugia en la pintura, haciendo de ella misma un reflejo de su realidad, este hecho inspira en ella una serie de pinturas y esbozos sobre su maternidad frustrada.

A principios de septiembre se entera por un telegrama de un cáncer que aqueja a su madre, mal del que fallece al poco tiempo. Frida doblemente desconsolada se ve obligada a regresar a México. A falta de un vuelo directo Detriot-México, Frida emprende el viaje acompañada de su amga Lucienne, en un recorrido por tren y autobus, donde la pintora vuelve a experientar pánico a sufrir un nuevo accidente.

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Al poco de retornar a Detroit, donde sufre y vuelve a sumergirse en su universo pictórico, los trabajos de Rivera son suspendidos por el mismo Rockefeller, razón por la que perdido el contrato millonario, regresan a México a vivir en su casa de San Ángel.

En México vuelve a sufrir la pérdida de un tercer hijo, mediante un aborto provocado y una operación al pie derecho. Diego, no deja su vida disoluta y hasta termina liándose a Cristina, hermana menor de Frida, lo cual ocasiona a la pintora un gran dolor.

En 1935 se marcha a Nueva York sola, cansada de su situación conyugal, anticipándose a una exposición de 25 cuadros suyos en la Julien Levy Gallery, fue un éxito total además de tener muy buena prensa. En este periplo tiene un romance con el fotógrafo norteamericano Nickolas Murray. A su regreso a México mantiene una relación clandestina con Isamu Nogochi durante un año: relación que dan por terminada cuando aparece Diego con una pistola en la mano.

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En 1936 es operada por tercera vez del pie derecho, etapa en la que pinta una especie de cuadro genealógico y se une más a su hermana Cristina y a los hijos de ésta.

En 1937 reciben a León Trotski en México, Frida y algunos, camaradas. Más tarde Kahlo y Trotski mantendrán una relación basada en la mutua admiración, que finalmente quedará sellada con el regalo de Frida a Trotski de su autorretrato. Ella lo describiría más tarde como lo mejor que le había pasado aquel año.

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Pese a costarle mucho a Frida concebirse como pintora, en el verano de 1938 el actor y erudito norteamericano Edward G. Robinson, le compra 4 pinturas de golpe.

Al año siguiente Frida es invitada a París para exponer sus pinturas. En París conoce a personas importantes como Paul Elouard, Ives Tanguy, Max Erst, Marcel Duchamp y Pablo Picasso, quien manifestará un gran entusiasmo por la pintura de Frida Kahlo. El pintor malagueño le escribiría a Rivera: “Ni tú, ni Derrain, ni yo, somos capaces de pintar una cara como las que pinta Frida Kahlo de Rivera”.

A su regreso de esta travesía llamada Europa, Frida empieza el polémico cuadro “La Muerte de Dorothy Hale”, regresando a Nueva York a reencontrarse con el fotógrafo Nick Murray, quien le anunciará su próxima boda, hecho que le cae como un balde de agua fría, mientras en Mexico se decía que su marido tenía un romance con la pintora húngara Irene Bohus y con la actríz norteamericana Paullette Goddard, que había estado una temporada en México.

Kahlo, harta y desgarrada por las infidelidades de Rivera, a su regreso a México se interna en “la Casa Azul”, triste, dando vueltas sobre sí misma, intentando sobrevivir a todas sus heridas. De este episodio de su vida escribiría: “…Cómo nos vamos vaciando de nuestra sangre, me estoy vaciando de ms lágrimas”.

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                               (El Ciervo Herido, 1946)

Diego, estando en México apenas la visita y ella experimenta un gran desamor y prefiere aislarse más refugiándose en la pintura. De esta etapa son: “Las Dos Fridas” (1939), una la amada y la otra rota por el dolor.

A finales de septiembre de 1939 Diego y Frida piden el divorcio por mutuo acuerdo y posteriormente Frida empieza a tener un periodo fructífero como pintora. De esta etapa son: “El Sueño”, “Autorretrato con Collar de Espinas” y “Colibrí”, “Autorretrato con Mono y Listón sobre el cuello”, “Cortándome el pelo con Tijeritas”.

Frida bebe alcohol para mitigar su soledad y dolor y a la vez sigue un diario sobre su vida que le sirve de catarsis. Por recomendación del Docto Eloesser, Frida viaja a Nueva York y pese a reencontrarse allá con Diego Rivera, inicia un romance con el coleccionista de Arte Heinz Burggruen, con quien vuelve a sonreír, pero al interponerse nuevamente Diego en su vida y proponerle matrimonio por segunda vez, deja a Heinz.

El 18 de diciembre Diego y Frida se vuelven a casar en la intimidad. Frida le pone la condición de no tener relaciones sexuales y mantener una cierta independencia y amistad.

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En 1941 fallece el padre de Frida. Ya hacia el año siguiente, el matrimonio decide regresar a México. En su país Rivera y Kahlo deciden enseñar pintura en “la Esmeralda”, Escuela de Arte con pedagogía liberal.

En 1944 es preciso volver a ponerle un corsé de acero dada su dolencia en la columna, y en 1945 le fabrican un zapato ortopédico para el pie derecho. En 1946 tiene que realizar un viaje a Nueva York, para ser operada de la columna vertebral y va con su hermana Cristina. Operación que resulta mal, teniendo que volver a llevar el corsé de acero para mitigar los fuertes dolores, que sólo la morfina logra calmar y ella tolera mal.

Frida vuelve a refugiarse en la pintura y realiza: “Pensando en la Muerte”, “Diego, en mi Pensamiento”, “La Columna Rota” (1944), “Retrato doble Diego y Yo”, “La Novia que se espanta al ver la Vida abierta” (1945), “Sin Esperanza”, “La Venadita”, o “El Venado herido” (1946), “El Árbol de la Esperanza” (1946), “Mantente Firme”.

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              (La Novia que se Espanta de ver la vida abierta 1945)

“He estado enferma un año: 1950-1951, siete operaciones a la colúmna vertebral” F.K.

De su estancia en el Hospital pinta: “Autorretrato con el Dr. Farill”. Tiene una gran desesperanza y tentativas de suicidio, está cansada de sufrir. Sufrimiento que la sume en una profunda depresión al tener que amputarle la pierna derecha por tener ya tres dedos ennegrecidos.

El 13 de julio de 1954 fallece a consecuencia de una embolia pulmonar. Sobre su esperado y ansiado final pondría la pintora: “Espero que la salida sea afortunada y espero no volver jamás” F.K.

Una mujer particular, que no vivió para pintar, sino más bien que pintó para vivir.

Barcelona, 26 de Abril, 2009.
Safe Creative #1104048894337
http://www.safecreative.org/work/1104048894337.
REGISTRO DE PROPIEDAD INTELECTUAL

01
May
09

LA REAL FRIDA KAHLO

Fragmento de la recopilación de un documento vivo de la pintora Mexicana Frida Kahlo y su marido,  el también pintor, Diego Rivera, por History Chanel.

15
Abr
09

BODEGÓN

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Bella, colorida y minuciosa pintura, muy bien lograda, de la pintora chilena: Tatiana Aguilera Muñoz, a quien recordamos aquí con mucho cariño y especial aprecio. Visitarla en: http://www.secuenciasdelalma.blogspot.com

01
Abr
09

LOS GIRASOLES DE RUSIA

LOS GIRASOLES DE RUSIA

Bella película de Vittorio de Sica intepretada por Marcello Mastroianni y Sophia Loren. Con una bella música. Melodrama que ocurre durante la guerra que logra separar a una pareja que se amaba, por unas extrañas y tortuosas circunstancias del destino. Como amante del Séptimo Arte recomiendo esta bella película.

01
Abr
09

THE OARSMENS BREAKFAST

THE OARSMENS BREAKFAST
El Desayuno Oarsmens
(Pierre Auguste Renoir)

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Pintor Impresionista francés que tuvo reconocimiento en vida, oriundo de Limoges, aunque vivió desde los 4 años en París. Se decanta por el “arte”, pintor antes que músico. Tiene una amistad histórica con Cézanne, Pizarro y Guilleumin. Presenta un trabajo suyo por primera vez al salón de 1864: “Esmeralda, bailando con su cabra”. Pinta postales junto con Bazille. Tras la guerra francoprusiana ganan mucho dinero pintando. Expone en la Galería Durand-Ruel sin mucho éxito. Pasa una vejez tranquila, con un reconocimiento general de su arte, padeció de reuma, viaja mucho incluso por España. Pasa hacia el fin de su vida en “Les Collettes” casa que mandó construir, en un olivar en Cagnes, que se convirtió en su estudio. Muere de una fuerte pulmonía el 3 de enero de 1919, y es enterrado en Essoyes junto a su esposa.

copas-de-champan¡¡ESTE ES MI POST NÚMERO 100!!,
Agradezco a quienes me han visitado y compartido conmigo gratos momentos de lecturas y de blogs. Gracias a todos.

01
Mar
09

RON MUECK

Ron Mueck
Interesante hiperrrealismo de este escultor australiano. Un Colage de sus esculturas expuestas en diversos museos.

16
Feb
09

GUITARRA Y MANDOLINA


(Juan Gris)

Pintor español, (1887-1927) cuyo nombre real es José Victoriano Gonzáles Pérez, en quien predomina el estilo cubista. En Francia conocería a Picasso, mientras vivió en Montmartre. El Museo de Arte Reina Sofía en Madrid expone parte de sus obras, así como el Museo Tyssenh-Bornemisza.

01
Feb
09

ANÓNIMO VENEZIANO

ANÓNIMO VENEZIANO

Hermoso tema  de la película del mismo nombre con la interpretación de los actores Florinda Bolkan y Tony Musante, dirigida por Enrico Maria Salerno en 1970.

21
Ene
09

OVERLOOK CAFÉ I

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OVERLOOK CAFÉ I
(Sung Kim)

Pintura de Sung Kim, está dentro de los pintores contemporáneos del realismo y naturaleza de pueblos costeros y paisajes.

19
May
08

PUT TO BLAME ON MAME

VE ESTE VÍDEO AQUÍ:  http://macpik2.wordpress.com/2010/01/02/put-to-blame-on-mame/




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