PERSPECTIVA TOSCANA

PERSPECTIVA TOSCANA
(Vail Oxley)

Vail Oxley pasó la mayor parte de sus primeros años de vida con sus abuelos en el país cerca de Beijing, China, mientras sus padres trabajaban en la ciudad. El hermoso paisaje que disfrutó durante la pesca con su abuelo sigue inspirando su obra. Vail vive con su esposa y su familia en China, donde ha logrado el reconocimiento y ganó varios premios prestigiosos por su trabajo.  Además de ser exhibido en todo el país, sus obras han aparecido en numerosas publicaciones.

LA TEMPESTAD

LA TEMPESTAD
(Giorgionne)

(Giorgio de Castelfranco, llamado: Giorgionne) (castelfranco, Veneto, h.1477- Venecia, 1510)
Pintor Italiano, iniciador de la Escuela veneciana, discípulo de G. Bellini. Supo obtener efectos de luz admirables; sus formas se diluyen en una atmósfera vaporosa y fluida («La Tempestad», Venecia).Sus temas son a menudo enigmáticos y su producción poco abundante. «El Concierto Campestre», (Louvre), cuya atruibución a él o a Ticiano no está clara, parece tener un cierto sentido alegórico oculto.

UN VASO DE CHAMPÁN, UVAS Y CIRUELAS, UN MELOCOTÓN EN UNA REPISA DE MÁRMOL

Un vaso de champán, uvas y ciruelas un melocotón en una repisa de mármol
(Emilie Preyer)

Pintora alemana (1849-1930)

EL CHEQUE EN BLANCO

EL CHEQUE EN BLANCO
(Rene Magritte)

(Lessen, 1898-Bruselas, 1967)
Pintor surrealista belga; su estilo se basa en la yuxtaposición insólita de indivíduos y objetos pintados con minucioso realismo. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Realiza sus primeros cursos de pintura en Chàtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918  estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920  junto a Pierre Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923  participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico.

Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.

(Extractos de Wikipedia,  la Enciclopedia Libre)

LES JEUX TERRIBLES

LES JEUX TERRIBLES
(Los Juegos Terribles, 1925) 
GIORGIO DE CHIRICO

Gran pintor italiano de mis preferidos surrealistas, autor de pinturas metafísicas muy interesantes y de gran talento, uno de las mayores influencias de pintura surrealsta sobre otros pintores, como Salvador Dalí, Max Ernst, y René Magritte.

LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO

LA ROSA PURPURA DEL CAIRO

fragmento de pelicula de Woody Allen, realizada en 1985. Ganadora del Premio BAFTA 1986, a mejor película de la Academia Británica. Nominada al Oscar el año 1985, por mejor guión original.

A WOMAN AT THE WINDOWS

 A WOMAN AT HER WINDOWS
(Henri de Toulouse-Lautrec)

Henri de Toulouse-Lautrec
(Albi, 1864-Castillo de Malromé, Gironda, 1901)

Pintor, litógrafo y cartelista francés. Descendiente de los condes de Tolosa, víctima de una malformación congénita de los huesos y de dos caídas de caballo, quedó enano y cojo. En 1881 se estableció en París y estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes. Abandonó las directrices académicas y se trasladó a Montmartre (1884), donde frecuentó y pinto cabarets, bailes y burdeles. Produjo en pocos años más de 5,000 dibujos, cerca de 400 litografías y carteles y un millar de pinturas: «Jeanne Avril bailando» (1892, Louvre), «Mujer estirándose las medias» (1894, Albi), Yvette Guilbert saludando al público» (1894, Albi), «El Baile de Moulin Rouge» (1897). Sifilítico, alcoholico, fue internado (febrero-mayo, 1899) en una Clínica de Neuilly, donde realizó una serie de 39 Escenas Circenses. Al darle de alta volvió de nuevo a la bebida. Su estado de salud empeoró y murió durante su estancia en el Castillo familiar.

TODAS LAS LÁGRIMAS DE DORA MAAR

TODAS LAS LÁGRIMAS DE DORA MAAR
(Por Manuel Vicent)

Pintora, fotógrafa, poeta, la amante de Picasso prestó sus ojos a su cuadro más famoso, el Guernica.

En el cuadro del Guernica aparecen cuatro mujeres entre los escombros del bombardeo, todas con la boca abierta por un grito de terror, las cuatro mujeres son la misma, Dora Maar, la amante de Picasso en aquel tiempo. Hay un detalle añadido: los ojos del toro erguido en el ángulo izquierdo también son los de Dora Maar, que en la realidad eran de un azul pálido y algún psicoanalista lacaniano sabrá explicar el significado de un toro con ojos de mujer, que a su vez son idénticos a los del guerrero, cuyo cuerpo se halla destrozado en la base del cuadro.

Picasso conoció a Dora Maar a principios de 1936. Su encuentro se ha convertido ya en una fábula excelsa de sadomasoquismo. Estaba el pintor una noche en el café Deux Magots de París con el poeta Paul Éluard y vio que en la mesa vecina una joven parecía entretenerse dejando caer la punta de una navaja entre los dedos separados de su mano enguantada, abierta sobre el mármol del velador. No siempre acertaba, puesto que el guante estaba manchado de sangre. El pintor se dirigió a ella en francés y la joven le contestó en un español gutural, la voz un poco ronca, temblorosa, con acento argentino. Después de una excitada conversación el pintor le pidió la prenda ensangrentada como recuerdo y ella le dio a Picasso no sólo el guante sino la mano y el resto del cuerpo, sin excluir su alma atormentada, no en ese momento, puesto que Picasso, presintiendo la tempestad amorosa que se avecinaba, echó tierra por medio y se fue a la Costa Azul, pero allí en casa de unos amigos comunes se volvió a encontrar con la mujer ese verano y ya no tuvo escapatoria. Bajo el esplendor mórbido del sol de Mougins, filtrado por los sombrajos de cañizo, sus cuerpos comenzaron a cabalgar en busca de la violenta alma contraria.

 Dora Maar no era una neófita en esta batalla con los hombres. Venía de los brazos de Georges Bataille, rey de la transgresión erótica, con quien había experimentado todos los sortilegios de la carne. Según su teoría los burdeles deberían ser las verdaderas iglesias de París. Bataille, junto con Breton, lideraba el grupo surrealista de izquierdas Contre-Attaque, que se reunía en un ático muy amplio de la Rue des Grands Agustins, 7, y se había hecho famoso por el libro Historia de un ojo, una mezcla de pornografía y lirismo con aditivos de violencia, autodestrucción y ceguera: el ojo -huevo que se introduce en la vagina-. En ese mundo se movía Dora Maar, exótica, bella y radical, siempre coronada con sombreros extravagantes.

Dora Maar era pintora, fotógrafa y poeta, hija de madre francesa y de un arquitecto croata, instalado en París, que encontró trabajo durante algunos años en Argentina. Con ella atravesó Picasso los años de la Guerra Civil española y la ocupación nazi de París, desde 1936 a 1943, un tiempo en que el pintor vivía en medio de un vaivén de mujeres superpuestas. Su esposa Olga había sido suplantada por la dulce y paciente Marie Thérèse Walter, de la que le había nacido su hija Maya, y ese oleaje le había traído, como el madero de un naufragio, a Dora Maar, que tuvo que desplegar todas las artes para agarrar y no soltar los testículos de aquel toro español del Guernica, que según algunos críticos es el autorretrato del pintor.

A inicios del año 1937 el Gobierno de la República española le encargó un mural a Picasso para la Exposición Internacional de París, que iba a inaugurarse en el mes de mayo. El contrato lo formalizó el cartelista Josep Renau, director general de Bellas Artes, en un bistró de la Rue de Bôetie, sobre una servilleta de papel y después se fue a jugar al futbolín con Tristán Tzara. La tragedia española estaba en su apogeo. Picasso sólo quiso cobrar los materiales, el lienzo y las pinturas, que, por cierto, fueron de una evidente mala calidad, como demuestra el deterioro en que se encuentra la obra. Dora Maar conocía el ático de la Rue des Grans Agustins, donde había celebrado diversas ceremonias demoniaco-surrealistas. Se lo mostró a Picasso para que lo alquilara. El local era famoso porque Balzac había situado allí la novela La Obra Maestra Desconocida, que trata de la obsesión de un pintor por representar lo absoluto en un cuadro. Dora Maar pensó que en el local había espacio suficiente para trabajar en un cuadro de gran tamaño. Y en ese ático comenzó Picasso una doble lucha. Durante los primeros meses no se le ocurría nada. Comenzó a realizar bocetos en torno a una especie de tauromaquia en medio de la convulsión de los desastres de una guerra, mientras Dora Maar iba levantando acta con la cámara de los esfuerzos y arrepentimientos del artista. En unos bocetos el caballo relinchaba abajo, en otros el toro mugía de otro lado. Dora Maar era a la vez testigo y protagonista, puesto que su rostro de frente ovalada y grandes ojos como lágrimas se repetía en todos los intentos en distintas figuras femeninas. Picasso incluso dejó que su amante pintara algunas rayas.

Mientras el Guernica tomaba la forma definitiva, alrededor del lienzo se había establecido otra suerte de bombardeo, que causó una catástrofe amorosa. En el ático entró un día la dulce y paciente Marie Thérèse Walter y se enzarzó a gritos con Dora Maar. Con insultos que se oían desde la calle, le echó en cara el haberle robado a su amante, al que ella había dado una hija. A esta escena violenta de celos se unió Olga, la compañera legal, y mientras las tres mujeres gritaban, Picasso seguía alegremente pintando el Guernica, muy divertido. Esta reyerta explosiva se hizo famosa en el Barrio Latino. El día 26 de abril de 1937, cuando el cuadro ya estaba casi terminado, sucedió el espantoso bombardeo de Guernica por la Legión Cóndor. En homenaje a esa villa bilbaína, donde se conservaban los símbolos de un pueblo vasco, Picasso tituló el cuadro con su nombre. A partir de ese momento el Guernica se convirtió en un cartel universal contra la barbarie.

La batalla la había ganado Dora Maar. Ese mismo verano de 1937 se les ve muy felices en las playas de Antibes en compañía de otros seres maravillosos, desnudos en sillones y hamacas, Nush y su marido Éluard, Man Ray y su novia Ady, bailarina de Martinica, Lee Miller y Rolland Penrose, Jacqueline Lamba y André Bréton. Jugaban a intercambiarse los nombres y las parejas a la hora de la siesta y el más vanguardista en el sexo también era Picasso, que, según contaba Marie Térèse, solía practicar la coprofagia con sumo arte.

Picasso ejerció sobre Dora Maar otra suerte de sortilegio a la manera de su antiguo amante Georges Bataille. La convirtió en La Mujer Que Llora: así aparece, erizada por el llanto en casi todos los cuadros en que ella le sirvió de modelo. Hasta su separación sumamente traumática Dora Maar fue la Dolorosa traspasada por siete navajas, que eran todas la misma que ella usaba el día en que se conocieron en el café Deux Magots, un símbolo del dolor de la guerra y del placer de la carne.

«Después de Picasso, sólo Dios», exclamó Dora Maar ante Lacan, el psicoanalista que la ayudó soportar el abandono del pintor. La mujer entró en una fase mística, se retiró del mundo, se encerró en su apartamento de París y sobrevivió un cuarto de siglo al propio artista. Murió en 1997, a los 90 años. En el Guernica sus ojos en forma de lágrimas se repiten en el toro, en el guerrero, en la madre que grita de terror con un niño muerto en los brazos, en la mujer que huye desnuda bajo las bombas, tal vez, desde un lavabo con un papel en la mano y en la que saca una lámpara por la ventana e ilumina todas las tragedias de la historia.

Articulo: http://www.elpais.com 26/12/2009

DORA MAAR

JEUNE FILLE DEVANT UN MIROIR

JEUNE FILLE DEVANT UN MIROIR
«Chica joven delante de un Espejo»
(Pablo Picasso)

PABLO PICASSO
(Málaga, 1881- Mougins, Francia, 1973)
Pintor español, estudió en Madrid, Barcelona y París, donde frecuentó círculos artísticos que darían paso a «La Escuela de París» y donde se quedó a vivir. Este es el comienzo de su época «azul» (1903-1904) a la que pertenecen «Pobres a la Orilla del Mar» (National Gallery Washington) y «La Vida» (Museo de Cleveland). Seguidamente viajó a Bruselas y empezó su «época rosa», en la que predominan sus temas circenses (payasos, arlequines): «Acróbatas de la bola» (Museo Pushkin). «Famila de saltimbanquis» (National Gallery, Washington). A partir de aquí evolucionó hacía formas geométricas. «Les Demoiselles D’Avignon» (Museo de Arte Moderno, Nueva York, 1907). Desde 1909 se dedicó al cubismo, junto a Braque, tendencia que revolucionaría el arte contemporáneo. En su obra cubista se distinguen dos direcciones: el cubismo analítico y el sintético. Estudió también la técnica del «papier collé». De 1915 a 1925 data su época clásica «Tres Mujeres en la fuente» (museo de Arte Moderno, Nueva York); «Arlequín» (Museo Picasso Barcelona), «Mujer en Camisa en un Sillón» (Colección Particular, Florencia). Siguió la época Neoclásica o la del «periodo Pompeyano»: «Mujer Sentada» (Tate Gallery, Londres). Picasso abordó todos los campos de la expresión, cerámica, teatro, escultura, («Retrato de Olga», 1918), litografía, ilustración de libros murales (Vallauris y la Unesco, 1958). Picasso es el mayor exponente del arte del s.XX. Entre sus obras cabe destacar el «Guernica», (Casón del Buen retiro de Madrid, España), producto de la visión del autor sobre la Guerra Civil en España y el bombardeo de la ciudad de Guernica. otras: «Pablo Arlequín» y «Pablo, Pierrot», «La Danza», (Tate Gallery, Londres), el «Collage», «Guitarra», «Gato devorando un pájaro» (colección particular, Nueva York), «Naturaleza Muerta con cabeza de Buey» (kunstsammiung, Düsseldorf, 1942). «La Alborada» (Museo de Arte Moderno París), «Las Señoritas de las Márgenes del Sena», variaciones sobre el tema de Courbet (1950), «Almuerzo Campestre» sobre el mismo tema de Manet (1961), y la serie de «Las Meninas», sobre el tema de Velazquez (1957)

THE HARVEST

THE HARVEST
(Vincent Van Gogh – 1853-1890)

 

«La Cosecha», pintura poco conocida del pintor Vincent Van Gogh de 1888, pintada al oleo sobre lienzo (73 X 92 cm). Cuyo ejemplar se encuentra en Amsterdam en el Museo Vincent Van Gogh.
Pintura construida en planos horizontales. Van Gogh estaba interesado no sólo en la belleza de las pinturas soleadas, sino en representar la esencia de la vida. A  la derecha hay un hombre con una horca cerca al pajar y las carretas. El artista ha tratado de ilustrar algunas facetas de la vida campesina.

IWTOLD GOMBROWICZ Y LA GIOCONDA

 

WITOLD GOMBROWICZ Y LA GIOCONDA
(Juan Carlos Gómez)

Gombrowicz era todavía un adolescente y ya el mundo se la hacía insoportable. La familia, la sociedad, la nación, el estado, el ejército, los ideales, las ideologías y él mismo le resultaban unas caricaturas. Erraba por los campos cabizbajo aplastando terrones con la punta de sus zapatos. No había dejado de creer pero la fe ya no le interesaba por lo que su soledad llegó a ser completa.

Cuando observaba a sus compañeros de la infancia, pequeños campesinos que habían integrado una guardia que él organizaba y comandaba, se daba cuenta que ellos no eran caricaturas, eran sencillos y sinceros. No podía comprender por qué la cultura y la educación falsificaban al hombre, mientras el analfabetismo daba buenos resultados. Viajando en tren hacia Varsovia, en circunstancias extrañas y dramáticas, se le vino a la cabeza una idea que, por lo menos en parte, le aclaró este enigma.

En la estación siguiente a la de su ascenso al tren subió uno de sus tíos Kotkowski y se sentó junto a él. Era un hombre mayor, terrateniente, tirador excelente y apasionado por la caza. De repente miró a su alrededor: –Salgan, por favor. La gente observó que estaba armando un revolver, y otra vez con tono firme pero sin levantar la voz : –Salgan, por favor. El compartimento se vació en un santiamén, entonces el tío le guiñó un ojo.

“Por fin, un poco más de espacio. Había tanta gente que no sabía lo que decía. Ando mal de los nervios, no puedo dormir, voy a Varsovia a ver si allí mejoro un poco” Gombrowicz se dio cuenta que se había vuelto loco, que dispararía si lo provocaban, tuvo que convencerlo al guarda del tren de que podía controlarlo hasta que llegaran a Varsovia.

“Es terrible que todo terrateniente tenga que ser un excéntrico y haya de comportarse como si estuviera chiflado; –¿Tú crees? Pero sí, es verdad, lo he observado, se han vuelto tan extravagantes que da vergüenza, serán sus fortunas que se le han subido a la cabeza; –Sabes tío, yo tengo una teoría (…)”

“La gente sencilla vive una vida natural, sus necesidades son elementales y por lo tanto sus valores son verdaderos; –¡Qué cosas dices!; –Para un hombre rico, en cambio, el pan, por ejemplo, no es un valor porque está saciado de pan. Un hombre rico no tiene que luchar para vivir, entonces inventa necesidades artificiales, es decir, falsas: el cigarrillo, la elegancia, la genealogía, los galgos, por eso son excéntricos y no encuentran el tono adecuado”.

La necesidad artificial y falsa del cigarrillo Gombrowicz la emplearía mucho tiempo después en la polémica que mantuvo con Jean Dubuffet sobre la naturaleza de la pintura.

Con esta explicación que le dio al tío no sólo resolvió el enigma de la educación y el analfabetismo, sino que también dio una clase doméstica de lo que el marxismo llama la dialéctica de las necesidades y los valores.. La idea sobre lo artificioso de la forma de las clases superiores iba a ser uno de los puntos de partida de su trabajo artístico.

“Cuando, transcurridos una decena de años, narré a los hombres de letras del café Ziemianska, cómo por miedo a un revólver cargado llegué a concebir una de las tesis fundamentales del marxismo, los contertulios se me echaron encima acusándome de fabulador”.

Quizá sea útil saber, para estar informado sobre la verdadera naturaleza del cigarrillo, esa arma terrible que Gombrowicz esgrimía para combatir a la pintura, que fumaba cuarenta cigarrillos por día, y que los sostenía al modo de los fumadores de pipa.

Los cigarrillos que fumaba eran horribles y muy fuertes, dejaba el paquete sobre la mesa, y si alguien le ofrecía cigarrillos importados, los rechazaba con dignidad: –No, gracias, yo fuma Tecla. Quien le ofrecía con frecuencia cigarrillos norteamericanos era un personaje del café Rex, un suizo alemán al que todo el mundo llamaba Philip Morris. Elegante, serio, puntual, sólo fumaba esa marca de cigarrillos. Gombrowicz le despreciaba sistemáticamente esas invitaciones, pero lo desplumaba jugando al ajedrez, poca plata, apenas le alcanzaba para pagarse una comida.

Gombrowicz emprendió su peregrinación a Francia como un estudiante sin mundo, provinciano y, no obstante, profundamente ligado a Europa, para poner a prueba las conclusiones que había sacado de la clase doméstica que le había dado al tío Kotkowski sobre la dialéctica de las necesidades.

En París caminaba por las calles, no visitaba nada y no tenía curiosidad por nada. Su indiferencia no era más que una apariencia que ocultaba en el fondo una guerra implacable. Como polaco, como representante de una cultura débil, tenía que defender su soberanía, no podía permitir que París se le impusiera. La necesidad de preservar su independencia y su dignidad le impedía gozar de París, no podía admirar a París.

“¿Le gusta París?; –Así, así. A decir verdad no he visitado nada; –¿Por qué?; –No me gusta levantar la cabeza delante de los edificios y, en general, las visitas turísticas me aburren y deprimen; –¿Así que París no ha tenido la suerte de caerle en gracia?; –Bueno… más o menos… no mucho; –Pero, cómo, ¿no le gustan las perspectivas de la Place de la Concorde?; –Cómo no, siento respeto por todo ese Gótico y por el Renacimiento. Lástima que la población no esté a la altura… Para ser sincero los parisinos son más bien feos y carecen de encanto…”

Desde muy joven la admiración constituyó para Gombrowicz una actitud impracticable. No sé que es lo que habrá hecho en Polonia pero aquí, en Buenos Aires, entraba a las exposiciones renqueando apoyado en alguno de nosotros; si le preguntaban algo, en algunos casos alegaba que lo hacía para compensar alguna falta de balance de la propia exposición, y en otros porque le dolía mucho una pierna, y que era una lástima que la belleza de la pintura calmara menos el dolor que una aspirina.

Cuando en la quinta de Hurlingham me presentó las esculturas metálicas de Giangrande evitó que me pusiera en pose de admiración: –Vea, son unos pluviómetros muy especiales que se fabrican aquí para una empresa agrícola. En París, en una de esas tardes de vagabundeo, acompañó a su amigo Jules al Louvre.

“Cuando se me ocurre ir a un museo me preocupo mucho más por los rostros de los visitantes que por los rostros pintados. Mientras los rostros pintados miran con una tranquilidad soberana, en los rostros vivientes y reales se nota algo convulsivo y desesperado, falso y ficticio que hasta puede asustar a una persona poco acostumbrada. Ah, por Dios, estas miradas piadosas o conocedoras, ese esfuerzo para ‘estar a la altura’, esa pseudo profundidad que se junta con todo un mar de pseudo impresiones, pseudo sentimientos, pseudo juicios (…)”

“La Gioconda es una hermosa tela, pero si Leonardo da Vinci hubiese podido presentir las convulsiones que originaría su cuadro, es posible que hubiese aniquilado el rostro pintado para salvar los rostros reales”.

Jules había adoptado de repente un aire místico, se acercaba a los cuadros en estado de tensión, Gombrowicz pensó que adoptaba esa pose para atraerlo a su culto, mientras tanto echaba miradas desabridas a los cuadros con una mezcla de menosprecio y aburrimiento que le producía el exceso de pintura: –¿Por qué me haces reproches?, no comprendes que yo no miraba los cuadros, sino otra cosa; –¿Qué cosa?; –La gente, tu miras los cuadros y yo miro a la gente que admira los cuadros, tienen una expresión estúpida, ¿entiendes?, un hombre al admirar un cuadro pone cara de imbécil, ¡es un hecho!.

La belleza de la pintura afeaba la cara de los admiradores, el cuadro era hermoso, pero lo que había delante del cuadro era esnobismo y un esfuerzo torpe para advertir algo de esa belleza de cuya existencia se estaba informado.

El sentimiento de admiración que aparece de vez en cuando en las obras de Giombrowicz, es un sentimiento de admiración derrumbado, enfermizo y teatral. Con una expresión de perfecto campesino Gombrowicz echaba unas miradas descuidadas a aquellas salas llenas de la monotonía infinita de las obras de arte. Bostezaba. La expresión de Jules rayaba entre la histeria y el odio: –Estoy harto, Basta. ¡Vámonos! Salimos al mundo, ¡qué delicia!: sol, mujeres.

“Cuando hombres normales e inteligentes en todas las demás realidades se pierden de modo tan lamentable frente a cierta clase de fenómenos, esto quiere decir que hay algo de falso y de malo en su relación misma con esos fenómenos. Y, por cierto, en el terreno artístico se acumuló una cantidad tan grande de absurdos, paradojas, falsedades, que eso no se puede explicar sino por algún error básico en nuestro modo de tratar el asunto. ¿Cómo explicar, por ejemplo, que delante de un cuadro firmado por Rafael nos muramos de entusiasmo y la copia del mismo cuadro aunque perfecta nos deje fríos?”.

El escritor debe obligarse a desarrollar una política frente a la cultura, no puede dejarse subyugar, debe conservar su soberanía y no tan sólo en atención a su yo. La atracción que produce la belleza en el arte no tiene lugar en una atmósfera de libertad, una voluntad colectiva que pertenece a la región interhumana de la que no tenemos conciencia nos obliga a admirar.

De modo que somos puestos en el trance de tener que admirar, la relación que surge entonces entre el que admira y la belleza que admira es falsa. En esta escuela de tergiversaciones se ha formado un estilo, no sólo artístico sino también de pensar y de sentir de una elite que se perfecciona y consigue la seguridad de su forma de una manera inauténtica.

“¿Cómo es posible reducir todo eso a la pura estética y a una retórica estéril y vacía sobre la grandeza del arte? ¿Cómo se puede de tal modo enseñar la literatura y el arte a los niños en las escuelas acostumbrándonos desde pequeños a una pura ficción? Nuestra vida artística se desarrolla en un clima de perpetua mentira, y es por eso que la clase culta no tiene ningún real contacto con la cultura y que, en verdad, todas nuestras actuaciones culturales recuerdan mucho más un rito solemne que una auténtica convivencia espiritual. Mientras no tengamos el valor necesario para dejar las ilusiones, mientras no lleguemos a una mejor conciencia de las fuerzas que nos dominan, siempre el rostro pintado de la Gioconda va a transformar nuestro propio rostro en algo… algo… en fin, en algo bastante dudoso”.

 

LA PINTURA METAFÍSICA DE GIORGIO DE CHIRICO

ALFRED HITCHCOCK UN DIRECTOR ORIGINAL

   EL CINE DE ORO NUNCA MUERE

    ALFRED HITCHCOCK, UN DIRECTOR ORIGINAL (1899-1980)

                        (Por Gina Martínez-Vargas Araníbar)

Este gran director de cine británico y mago del suspense, se hizo famoso por su análisis, su original puesta en escena, y depurado lenguaje fílmico, especialmente por las diversas temáticas que utilizó magistralmente en sus películas, para expresar sucesos recurrentes de intriga y suspense, con una trama muy bien lograda, en películas como: «Con la muerte en los talones» (1959), con Cary Grant, Eve Marie Saint, y James Mason; «Proceso Paradine», con Greory Peck y Ann Todd (1944), con Tallulah Bankhead y William Bendix; «Los Pájaros» (1963), con Tippi Hedren y Rod Taylord; «Atrapa a un ladrón» (1955), con Cary Grant y Grace Kelly; «Sospecha» (1941), con Cary Grant y Jane Fontaine; «¿Pero quién mató a Harry?» (1955) con Shirley Mc Laine y John Forsythe, entre otras.

(El Reparto al completo «Con la Muerte en los Talones» Cary Grant, Eve Marie Saint, Hitchcock, y James Mason).

Si bien es cierto, abarcó temas de interés, como también el tema de los espías, en sus películas «Los 39 Escalones» (1935) y «El Agente Secreto» (1936), reflejo de la época en la que le tocó vivir, o sobre envenenamentos en sus películas con toque policial como: «Encadenados» (1946), con Ingrid Bergman y Cary Grant y «Atormentada» (1949), con Ingrid Bergman y Joseph Cotten.

(Hitchcock, con Gregory Peck e Ingrid Bergman en «Recuerda»)

Particularmente llaman la atención temas en donde existen testigos de sucesos inesperados y escalofriantes, lo que daríamos en llamar, falso culpable, en películas tales como: «El Hombre que Sabía Demasiado» (1934), con James Stewart y Doris Day; «Yo Confieso» (1952), con Montgomery Clift y Anne Baxter y Pánico en Escena» (1950); «Posada en Jamaica» (1939); «La Ventana Indiscreta» (1954), con James Stewart y Grace Kelly.

(Una Escena de la Película «La ventana Indiscreta» con James Stewart y la bella Grace Kelly)

Hitchcock,  intentó profundizar en el inconciente humano, abordando temas psicológicos y psicoanalíticos, prueba de ello son sus películas: «Recuerda» (1945), con Ingrid Bergman y Gregory Peck, en donde aparecen pinturas de Dalí para ilustrar las pesaillas; «Marnie,  la Ladrona» (1964), con Tippi Hedren y Sean Connery; la tan conocida «Psicósis» (1960), con Anthony Perking y Vera Miles y «Vértigo» (1958), con James Stewart y la guapa Kim Novak. (Una escena de la Película: «Marnie, la Ladrona» con Tippi Hedren y Sean Connery)

Además Hitchcock , nos muestra como parte del absurdo, una temática de las equivocaciones básicas y determinantes en la trama de sus películas, en su producción: «Crímen Perfecto» (1954), con Ray Millan y Grace Kelly; «Falso Culpable» (1957), con Henry Fonda y Vera Miles; «Enviado Especial» (1940)e «Inocencia y Juventud» (1937).

 (Janet Leight y Alfred Hitchcock, entre bambalinas, en la película «Psicósis»)

Es indudable su originalidad, pero además les debe el arte de su fama a sus guionistas: Elliot Stannard, el punto de vista femenino a Jay Presson Allen, para el guión de «Marnie, la Ladrona» y sobre todo al guionista Charles Bennet, quien tuvo gran participación en cuidar los guiones de sus mejores películas: «Recuerda», «Vértigo», «La Soga» etc.

                 (James Stewart y Kim Novak en Vértigo)

En sus casi 40 películas, se le vió aparecer brevemente en la mayoría de ellas, casi como un extra, sin texto, ni mayor participacion, como sellando su producción, hecho que causaba curiosidad en sus seguidores.

Tuvo especial predilección por artistas como Grace Kelly. Mas tarde cuando ésta se casó con Rainiero de Mónaco y se retiró del cine, buscó siempre un tipo de mujer parecido en Kim Novak o Tippi Hedren, para sus películas.

Entre los años 1959 y 1962 hace además historias cortas de suspense o thrillers psicológicos para la televisión, «Alfred Hitchcock Presenta» y de 1963 a 1965 «La Hora de Alfred Hitchcock».

                      (Hitchcock, en «Los Pájaros»)

Barcelona, 23 de Abril, 2009

http://www.safecreative.org/work/1104048894290.
REGISTRO DE PROPIEDAD INTELECTUAL

FRIDA KAHLO, RETRATO DE UNA VIDA

FRIDA KAHLO, RETRATO DE UNA VIDA
(Por Gina Martínez-Vargas Araníbar)

La Vida de Frida Kahlo fue pasión, disfraces para el escenario de la vida, intensidad, ternura, desencanto, amor, vivacidad, un aferrarse para no ser vencida por la contundente realidad de un destino marcado por la cicatrices. Una cruz, una mueca triste, pero sobre todo: dolor.

Intentar abarcarla es casi imposible, aunque el espejo fragmentado de su vida, nos refleja su existencia oscurecida por la pena, como testimonio vivo de la fatalidad.

Magdalena Cármen Frida Kahlo Calderón, nace en «la Casa Azul» de Coyoacán México, un 6 de julio de 1907, tercera hija de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. Le preceden  sus hermanas Matilde Junior y Adriana, luego nacería la cuarta, Cristina.

                                  (Frida, a los 18 años)

De su padre, un emigrate alemán, heredará sus ansias de libertad, una gran inteligencia y sensibilidad para las artes y de su madre, una nativa mexicana, la dulzura, la vivacidad y un espíritu arraigado a su país. Ella misma los describiría así:

«Mi padre Guillermo Kahlo, era muy interesante, de basta elegancia al moverse, al caminar. Tranquilo, laborioso, valiente…» F.K.

(Adriana, Cristina, Frida, Carmen Romero y Carlos Veraza, 1929)

A su madre en cambio, la rememora de esta guisa: «Era una mujer bajita, de ojos muy bonitos, muy fina de boca, morena. Era como una campanita de Oaxaca, donde había nacido. Cuando iba al mercado ceñía con gracia su cinturón y cargaba coquetamente su canasta. Muy simpática, activa,  inteligente. No sabía leer, ni escribir, sólo sabía contar el dinero». F.K.

A raíz de una caida en el parque de Chapultepec, cuando paseaba con su padre, se hace un gran daño en la pierna derecha y le diagnostican un «tumor blanco» y «poliomelitis». Tras pasar varios meses en cama, resulta con un pie ligeramente atrofiado y desde entonces una pierna más delgada y más corta que la otra, que le obligaron a llevar botas ortopédicas, presagio de un largo y tortuoso camino que se convertiría en un gran pesar hasta el final de sus días.

No obstante nada opacó el desarrollo normal y despierto de aquella adolescente y al hallarse ante un nuevo reto en 1922 en la Escuela Preparatoria Nacional, supera el exámen de ingreso, antesala obligada de los estudios Universitarios. Y aunque aquella Escuela, queda alejada de su casa, en el Centro Antiguo de Tenochtitlán, cuyo parque central era conocido como el Zócalo, ciudad más poblada y ruidosa donde Frida aprende a moverse y a descubrir un mundo diferente. Allí Frida se integra a un Grupo Anarquista heterogéneo, creativo, abierto, original y provocador, quienes reinvindican un socialismo de retorno a las fuentes. El Grupo se llamó: «Los Cachuchas» (por el nombre de sus gorras), lo integraban 9, dos eran chicas. El Grupo se nutría de Literatura, filosofía, poesía extranjera, o hispanoamericana. Frida estaba ávida de conocimientos y en su afán por expresar cosas en lenguaje argótico inventa un vocabulario personal, el «fridesco».

El primer encuentro con el pintor Diego Rivera, ocurre el 22 de noviembre de 1910. Rivera había sido elegido por el Ministerio de Cultura para la realización de un mural en el Anfiteatro Bolívar, de la Escuela Preparatoria Nacional, donde Frida movida por la curiosidad acude y le hace conversación mientras pintaba. Sobre este primer encuentro Rivera comentaría más tarde: «La chica se quedó casi tres horas. Cuando se marchó sólo dijo: «Buenas noches».

Sin embargo, el primer amor de Frida Kahlo no fue Diego Rivera, sino Alejandro Gómez Arias. Su mejor amigo, burgués, inteligente, culto y gran orador e integrante de «Los Cachuchas», con quien mantendría intercambio epistolar más tarde.

Frida encuentra empleo en la Biblioteca del Ministerio de Educación, pero a raíz de un escándalo en la que se la relaciona con una compañera de trabajo, es despedida.

                 (Frida y Emmy Lou en el jardín de La Casa Azul)

El 17 de septiembre de 1925 Frida sufre un terrible accidente; el autobús que la llevaba de regreso a casa, en compañía de su novio Alejandro Gómez, choca en un cruce con el tren de Xochimilco. Ella lo relata así:

«Los camiones de mi época eran absolutamente endebles; comenzaban a circular y tenían mucho éxito; los tranvías andaban vacíos. Subí al camión con Alejandro Gómez Arias…momentos después el camión chocó con un tren de la línea Xochimilco…Fue un choque extraño; no fue violento, sino sordo, lento y maltrató a todos. A mi mucho más…antes habíamos tomado otro camión; pero a mi se me había perdido una sombrilla; nos bajamos a buscarla, y fue así que vinimos a subir a aquel camión, que me destrozó. El accidente ocurrió en la esquina, frente al mercado de San Juan, exactamente enfrente…Mentiras que uno se da cuenta del choque, mentiras que se llora. En mi no hubo lágrimas. El choque nos brincó hacia adelante y a mi el pasamanos me atravesó como la espada de un toro» F.K.

En los primeros momentos del accidente, fue el propio Alejandro quien se encargó de asistirla, y puesta la malherida y sangrante Frida sobre una mesa de billar que se improvisa, sin perder la sangre fría procede él mismo le arrancar de su cuerpo el trozo de hierro que la atravesaba, en una intervención rápida y brutal. Posteriormente se encargan de ella los servicios de urgencias. No podía preveerse que siguiera viviendo dada la gravedad de su estado.

Frida relataría más tarde en sus memorias el efecto que el accidente produjera en su familia: «Matilde leyó la noticia en los periódicos y fue la primera en llegar y no me abandonó por tres meses; de día y de noche a mi lado. Mi madre se quedó muda durante un mes por la impresión y no fue a verme. Mi hermana Adriana al saberlo se desmayó. A mi padre le causó tanta tristeza que enfermó y sólo pude verlo después de 20 días» F.K.

El diagnóstico se produjo un mes más tarde. «Fractura en la tercera y cuarta vértebras lumbares, tres fracturas en la pelvis, once fracturas en el pie derecho, luxación del codo izquierdo, herida profunda en el abdómen, producida por una barra de hierro que entró por la cadera izquierda y salió por el sexo, desgarrando el labio izquierdo. Peritonitis aguda. Cistitis que requiere sonda durante muchos días». A partir de allí tuvo que llevar un corsé de yeso durante 9 meses, después de salir del hospital. E increiblemente Frida Empezó a renacer poco a poco.

                              (La Columna Rota, 1944)

El 18 de diciembre Frida da su primer paseo por la plaza central del zócalo, sintiendo que afortunadamente está viva. Su intento por volver a contactar con Alejandro en esos días fue inútil, encima sobrellevar el desamor, aunque ella se aferraba a la ilusión.

En esa temporada Frida aflora una cierta androginia vistiendo con trajes de muchacho, ya lo anticiparía ella: «Mis juguetes fueron los de muchacho: patines, bicicleta». Hecho que más tarde también se haría patente al pintar en 1940 su autorretrato: «Cortándome el pelo con unas tijeritas» y al manifestar en sus memorias sus relaciones lésbicas.

Hacia finales del verano de 1926 Frida empeora teniendo que mantenerse en cama inmobilizada por tres vértebras desplazadas y complicaciones en la pierna, se precisa volver a llevar el corsé y una prótesis en la pierna derecha.

A partir de entonces surge en Frida una constante visión de sí misma. Lee mucho a Proust e intenta llenar sus horas pintando. Su primera pintura fue para Alejandro, en la cual se representa ella, busto y cara…»Y sin prestarle realmente atención, empecé a pintar» F.K.

En 1927 Alejandro la visita en Oaxaca, pero enseguida sus padres lo envían a estudiar a Europa, en un intento por alejarlo de Frida. Ella soporta impotente esta súbita decisión, tanto así como seguir soportando la tortura del corsé.

Según se lo permite su salud. Frida fue agregando más pinturas, aunque no puede proyectarse al futuro. El tiempo parece interminable y por momentos pierde las esperanzas de poder viajar algún día a conocer lugares.

Y cuando Alejandro retorna de Europa. Frida estaba casi restablecida y concentrando todas sus energías en conseguir un trabajo, sin embargo Alejandro se enamora de Esperanza Ordoñez, una amiga común.

Frida empieza a frecuentar ambientes y círculos de artistas, sin dejar de militar en el Partido Comunista, así vuelve a tener contacto con el hombre de su vida, Diego Rivera. En medio de tanto artista extravagante, ya no sorprendía ver a Frida en ocasiones vestida de hombre, traje con el que disimulaba bien su cojera.

El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera contrae matrimonio con Frida Kahlo. Su padre pareció resignarse, pero su madre se sintió dolida a juzgar, por ser mayor que ella, gordo, feo, artista, bohemio, comunista, ateo, controvertido y vividor. Ella narra:»…Me enamoré de Diego y eso desagradó a mis padres porque Diego era comunista y se parecía, decían ellos, a un gordo, gordísimo Breughel. Decían que era una boda entre un elefante y una paloma…A pesar de todo…nos casamos el 21 de agosto de 1929…Nadie asistió a la boda a excepción de mi padre, que le dijo a Diego: «No olvide que mi hija es una persona enferma y lo será toda su vida: es inteligente, pero no guapa. Piénselo…y si a pesar de todo desea casarse con ella, le doy mi consentimiento».

Diego, que se había casado antes por la iglesia con Guadalupe Marín y tuviéron 2 hijas. Se casó con Frida de una forma más oficial en el Ayuntamiento de Coyoacán.

Más tarde Frida pierde al primer hijo que esperaba, el doctor Marín tuvo que provocarle el aborto por malformación de la pelvis, que impediría a Frida seguir adelante con el embarazo, hecho que le afectó y desconsoló mucho.

El 10 de noviembre de 1930 Rivera viaja con Frida a los Estados Unidos, donde a él se le han encargado unos trabajos. Era el primer viaje de Frida al extranjero y se instala en San Fancisco, en casa del escultor Ralph Stackpole. Allí Frida realiza varios retratos, entre ellos el del Dr. Eloesser, a quien confía sus dolencias. Con ganas de vivir y conocer sale asiduamente por San Francisco y frecuenta mucho el barrio Chino, empezándo a sentirse muy sola.

Posteriormente realiza un viaje a Nueva York, donde Frida intenta llenar su vida saliendo y visitando lugares. Más tarde se trasladan a Detroit donde Rivera es solicitado para pintar unos murales y donde Frida vuelve a estar embarazada, aunque pronto perderá a su hijo, acentúandose su malestar y experientando un gran vacío y soledad. El abatimiento la persigue y se refugia en la pintura, haciendo de ella misma un reflejo de su realidad, este hecho inspira en ella una serie de pinturas y esbozos sobre su maternidad frustrada.

A principios de septiembre se entera por un telegrama de un cáncer que aqueja a su madre, mal del que fallece al poco tiempo. Frida doblemente desconsolada se ve obligada a regresar a México. A falta de un vuelo directo Detriot-México, Frida emprende el viaje acompañada de su amga Lucienne, en un recorrido por tren y autobus, donde la pintora vuelve a experientar pánico a sufrir un nuevo accidente.

Al poco de retornar a Detroit, donde sufre y vuelve a sumergirse en su universo pictórico, los trabajos de Rivera son suspendidos por el mismo Rockefeller, razón por la que perdido el contrato millonario, regresan a México a vivir en su casa de San Ángel.

En México vuelve a sufrir la pérdida de un tercer hijo, mediante un aborto provocado y una operación al pie derecho. Diego, no deja su vida disoluta y hasta termina liándose a Cristina, hermana menor de Frida, lo cual ocasiona a la pintora un gran dolor.

En 1935 se marcha a Nueva York sola, cansada de su situación conyugal, anticipándose a una exposición de 25 cuadros suyos en la Julien Levy Gallery, fue un éxito total además de tener muy buena prensa. En este periplo tiene un romance con el fotógrafo norteamericano Nickolas Murray. A su regreso a México mantiene una relación clandestina con Isamu Nogochi durante un año: relación que dan por terminada cuando aparece Diego con una pistola en la mano.

En 1936 es operada por tercera vez del pie derecho, etapa en la que pinta una especie de cuadro genealógico y se une más a su hermana Cristina y a los hijos de ésta.

En 1937 reciben a León Trotski en México, Frida y algunos, camaradas. Más tarde Kahlo y Trotski mantendrán una relación basada en la mutua admiración, que finalmente quedará sellada con el regalo de Frida a Trotski de su autorretrato. Ella lo describiría más tarde como lo mejor que le había pasado aquel año.

Pese a costarle mucho a Frida concebirse como pintora, en el verano de 1938 el actor y erudito norteamericano Edward G. Robinson, le compra 4 pinturas de golpe.

Al año siguiente Frida es invitada a París para exponer sus pinturas. En París conoce a personas importantes como Paul Elouard, Ives Tanguy, Max Erst, Marcel Duchamp y Pablo Picasso, quien manifestará un gran entusiasmo por la pintura de Frida Kahlo. El pintor malagueño le escribiría a Rivera: «Ni tú, ni Derrain, ni yo, somos capaces de pintar una cara como las que pinta Frida Kahlo de Rivera».

A su regreso de esta travesía llamada Europa, Frida empieza el polémico cuadro «La Muerte de Dorothy Hale», regresando a Nueva York a reencontrarse con el fotógrafo Nick Murray, quien le anunciará su próxima boda, hecho que le cae como un balde de agua fría, mientras en Mexico se decía que su marido tenía un romance con la pintora húngara Irene Bohus y con la actríz norteamericana Paullette Goddard, que había estado una temporada en México.

Kahlo, harta y desgarrada por las infidelidades de Rivera, a su regreso a México se interna en «la Casa Azul», triste, dando vueltas sobre sí misma, intentando sobrevivir a todas sus heridas. De este episodio de su vida escribiría: «…Cómo nos vamos vaciando de nuestra sangre, me estoy vaciando de ms lágrimas».

 
                               (El Ciervo Herido, 1946)

Diego, estando en México apenas la visita y ella experimenta un gran desamor y prefiere aislarse más refugiándose en la pintura. De esta etapa son: «Las Dos Fridas» (1939), una la amada y la otra rota por el dolor.

A finales de septiembre de 1939 Diego y Frida piden el divorcio por mutuo acuerdo y posteriormente Frida empieza a tener un periodo fructífero como pintora. De esta etapa son: «El Sueño», «Autorretrato con Collar de Espinas» y «Colibrí», «Autorretrato con Mono y Listón sobre el cuello», «Cortándome el pelo con Tijeritas».

Frida bebe alcohol para mitigar su soledad y dolor y a la vez sigue un diario sobre su vida que le sirve de catarsis. Por recomendación del Docto Eloesser, Frida viaja a Nueva York y pese a reencontrarse allá con Diego Rivera, inicia un romance con el coleccionista de Arte Heinz Burggruen, con quien vuelve a sonreír, pero al interponerse nuevamente Diego en su vida y proponerle matrimonio por segunda vez, deja a Heinz.

El 18 de diciembre Diego y Frida se vuelven a casar en la intimidad. Frida le pone la condición de no tener relaciones sexuales y mantener una cierta independencia y amistad.

En 1941 fallece el padre de Frida. Ya hacia el año siguiente, el matrimonio decide regresar a México. En su país Rivera y Kahlo deciden enseñar pintura en «la Esmeralda», Escuela de Arte con pedagogía liberal.

En 1944 es preciso volver a ponerle un corsé de acero dada su dolencia en la columna, y en 1945 le fabrican un zapato ortopédico para el pie derecho. En 1946 tiene que realizar un viaje a Nueva York, para ser operada de la columna vertebral y va con su hermana Cristina. Operación que resulta mal, teniendo que volver a llevar el corsé de acero para mitigar los fuertes dolores, que sólo la morfina logra calmar y ella tolera mal.

Frida vuelve a refugiarse en la pintura y realiza: «Pensando en la Muerte», «Diego, en mi Pensamiento», «La Columna Rota» (1944), «Retrato doble Diego y Yo», «La Novia que se espanta al ver la Vida abierta» (1945), «Sin Esperanza», «La Venadita», o «El Venado herido» (1946), «El Árbol de la Esperanza» (1946), «Mantente Firme».

              (La Novia que se Espanta de ver la vida abierta 1945)

«He estado enferma un año: 1950-1951, siete operaciones a la colúmna vertebral» F.K.

De su estancia en el Hospital pinta: «Autorretrato con el Dr. Farill». Tiene una gran desesperanza y tentativas de suicidio, está cansada de sufrir. Sufrimiento que la sume en una profunda depresión al tener que amputarle la pierna derecha por tener ya tres dedos ennegrecidos.

El 13 de julio de 1954 fallece a consecuencia de una embolia pulmonar. Sobre su esperado y ansiado final pondría la pintora: «Espero que la salida sea afortunada y espero no volver jamás» F.K.

Una mujer particular, que no vivió para pintar, sino más bien que pintó para vivir.

Barcelona, 26 de Abril, 2009.

http://www.safecreative.org/work/1104048894337.
REGISTRO DE PROPIEDAD INTELECTUAL

LA REAL FRIDA KAHLO

Fragmento de la recopilación de un documento vivo de la pintora Mexicana Frida Kahlo y su marido,  el también pintor, Diego Rivera, por History Chanel.

PSICOPATOLOGÍA EN EL ARTE

 

PSICOPATOLOGÍA EN EL ARTE
(De los estudios del Doctor: José Ingenieros)

 En el arte como en la literatura hay vestigios profundos que se plasman en ciertas obras de arte. La pintura, la literatura, son donde más se destaca esta característica. En los dominios de la psicología mórbida el arte y la ciencia se dan la mano también. Un valor estético es canon de belleza extraído de la experiencia, al igual que un canon lógico es un canon de verdad.

 Hay grandes estudiosos que hicieron profundas y sesudas investigaciones sobre la psicología mórbida, caso de Morel, Charcot, Mudsley, Ribot, Lombroso, Morselli, Jenet. No obstante, la pasión y la locura muchas veces están más acentuadas a veces en la obra de arte que en la realidad misma.

Tenemos grandes escritores que han maxificado y potenciado en sus obras, profundas características mórbidas y psicopatológicas en sus personajes, como al gran dramaturgo Shakespeare por excelencia, quien no sólo ha hecho una gran pintura de los caracteres humanos, sino que puede ser exaltado como un gran Maestro de este género de caracterizaciones. Obras suyas como Macbeth, Hamlet, El Rey Lear, Otelo, profundizan e interiorizan el gran drama humano que consume al hombre de todos los tiempos. El Rey Lear, suscita una gama diversa de sentimientos encontrados, antes viejo, vanidoso y autoritario, sensible a la adulación de sus hijas  Gonerila y Regana, y ante la sencillez leal y respetuosa de su hija más noble Cordelia. Él querrá conservar la autoridad después de perder el trono, preferirá no obstante la zalamería hipócrita de sus dos hijas, a la verdad leal que viene de labios de Cordelia. Hay una gran belleza estética en el personaje de Lear como uno de los arquetipos psicopatológicos más firmes de la historia literaria.

 En Hamlet, su rasgo clásico es la abulia, su idea fría obsesionante es vengar la muerte de su padre, tiene el humor negro con vagas ideas de suicidio, cree que la vida es insulsa y sin encantos, indigna de ser vivida, su reacción frente a la realidad es puramente intelectual, pero desorientada. Duda permanentemente de sí mismo y hasta de su propia obsesión. Desconfiado y cauto, sospecha siempre algo terrible, suspicaz y astuto; con estallidos de antipatía, ira, es cínico a veces, más bien que delirante sistematizado, se nos presenta como un psicasténico de cuya complejidad mental fluye el extraordinario secreto de su poesía.

 Otelo y Macbet, llegan a la locura por vías divergentes: la pasión de los celos y el terror del arrepentimiento. Macbeth, con la ambición del mando, sufre la tragedia terrible, su mujer lo empuja al crimen con palabras irresistibles, se prepara la tragedia psicológica que culmina con el asesinato del rey. Una lucha angustiosa desgarra a Macbeth, entre la obsesión del poder y el reproche de su conciencia, partiendo en dos su mente y su corazón, en un verdadero desdoblamiento de su personalidad, después le asaltan las dos alucinaciones de su sombra de Banco, cuando padece vértigos que hacen presuponer es epilepsia. Allí está también la figura no menos mórbida de Lady Macbeth, que con escenas de sonambulismo, se denuncia y se traiciona a sí misma, reproduciendo las escenas del tremendo delito, sin embargo la inequívoca locura del rey Lear y su derrumbe psíquico es más brusco que el de Macbeth y Hamlet.

 Hedda Gabler es otra obra de teatro apasionante del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, se la presenta con una pasmosa lucidez, sin presentar los síntomas fundamentales, sin alucinaciones, con una lógica rigurosa, percepción normal, con una mentalidad neurópata de las histéricas y los amorales, los obsesionados y los psicasténicos, un mundo poblado de personalidades mórbidas, que no adaptan su conducta al medio social en que viven, pero cuyos actos no imponen aún reclusión en un manicomio. Su lucidez e inteligencia puede exceder a la de sus parientes y amigos. Piensan bien, pero quieren mal y el peligro y desequilibrio está en su vida afectiva y de la voluntad.

 Hedda Gabler vive tiranizando y afligiendo enfermizamente a todas las personas que están obligadas a soportar su convivencia. Hedda, es una desequilibrada, tiene caracteres psicopáticos de la mujer delincuente, tiene inclinaciones abusivas y despóticas; como hija de General, es así mismo fuerte y masculina, se esfuerza por mostrar una indomable voluntad viril. Hedda, era una deficiente moral, aplica desde la escuela, pequeñas violencias y vejámenes mortificantes . Antes de perder la virginidad deserraja un pistoletazo al audaz Erberto. Se casa sin embargo más tarde con Jorge Tesmann, quien se equivoca suponiendo que su carácter minado por la neurosis podría modificarse por la ternura y la maternidad. Ella se irrita por las más leves contrariedades, todas las personas la estorban, nada la complace, ella goza haciendo sufrir a los demás. Le incomoda la felicidad ajena, conspira contra la tranquilidad de todos, poniendo en sus palabras una gota de veneno. Es simuladora, casquivana, inestable, su conciencia moral es más voluble que su temperamento. La histeria suele ser una enfermedad sentimental. Hedda Gabler me recuerda algo a la señorita Amelia,  personaje virago y masculina de Carson McCullers en “Balada del café triste”, que adquiere una resonancia interior profunda e intimista, aunque menos cruel y vencida por el amor.

 Se cree que Ibsen ha recogido en sus obras algunos análisis psicológicos más perfectos, como Zola, Balzac, Daudet, Dostoievsky, es así como se han forjado algunos caracteres que parecen representativos y simbólicos de todo un género, conciliando lo real y lo ideal, en forma de equilibrio estético que satisfacen al mismo tiempo un deseo de verdad y el anhelo de perfección. Los personajes de Ibsen han sido estudiados por Geyer.

 La eximia obra “Don Quijote de la Mancha” de Cervantes, es otro ejemplo de una locura con chispazos de una gran lucidez e ingenio. Esquirol lo denominaría monomanía caballeresca y delirios sistematizados. “Del poco dormir y del mucho leer se le secó el cerebro, de manera que vino a perder el juicio”, en Quijano que estaba predispuesto, fallaba algún resorte mental. En el Quijote no hay desmedro de su personalidad moral: “Lo que hablaba era concertado, elegante y bien dicho y lo que hacía, disparatado, temerario y tonto”, un acceso maniaco y alucinatorio. Vila-Matas lo definiría en clave de humor como «el hombre que murió de cuerdo».

 Los tipos criminales en el arte y en la literatura han sido estudiados por Ferri, Maus, Lefort y Alimena; los alienados por Ireland, Porena y Regis. Los Delincuentes aristocráticos que actúan en las obras de Balzac, Lematrie, Zola, Ibsen por Schiller. El médico Schure ha estudiado y analizado la lucha entre sentimiento y voluntad en algunos tipos de Ibsen y Maeterlinck. Hay valiosas notas de Sciamanna, Sighele y Ferri, sobre los tipos alocados y delincuentes de las obras de D’Annuzio. Esto en cuanto a la psicopatología individual. La psicopatología colectiva ha sido expuesta por Taine, Sighele, Tarde, Le Bon, Rosi, estudios entre lo psicológico y lo sociológico mas bien.

 Barcelona, 28 de Noviembre de 2008.

BODEGÓN

Bella, colorida y minuciosa pintura, muy bien lograda, de la pintora chilena: Tatiana Aguilera Muñoz, a quien recordamos aquí con mucho cariño y especial aprecio. Visitarla en: http://www.secuenciasdelalma.blogspot.com

LOS GIRASOLES DE RUSIA

LOS GIRASOLES DE RUSIA

Bella película de Vittorio de Sica intepretada por Marcello Mastroianni y Sophia Loren. Con una bella música. Melodrama que ocurre durante la guerra que logra separar a una pareja que se amaba, por unas extrañas y tortuosas circunstancias del destino. Como amante del Séptimo Arte recomiendo esta bella película.

THE OARSMENS BREAKFAST

THE OARSMENS BREAKFAST
El Desayuno Oarsmens
(Pierre Auguste Renoir)

Pintor Impresionista francés que tuvo reconocimiento en vida, oriundo de Limoges, aunque vivió desde los 4 años en París. Se decanta por el «arte», pintor antes que músico. Tiene una amistad histórica con Cézanne, Pizarro y Guilleumin. Presenta un trabajo suyo por primera vez al salón de 1864: «Esmeralda, bailando con su cabra». Pinta postales junto con Bazille. Tras la guerra francoprusiana ganan mucho dinero pintando. Expone en la Galería Durand-Ruel sin mucho éxito. Pasa una vejez tranquila, con un reconocimiento general de su arte, padeció de reuma, viaja mucho incluso por España. Pasa hacia el fin de su vida en «Les Collettes» casa que mandó construir, en un olivar en Cagnes, que se convirtió en su estudio. Muere de una fuerte pulmonía el 3 de enero de 1919, y es enterrado en Essoyes junto a su esposa.

¡¡ESTE ES MI POST NÚMERO 100!!,
Agradezco a quienes me han visitado y compartido conmigo gratos momentos de lecturas y de blogs. Gracias a todos.

RON MUECK

Ron Mueck
Interesante hiperrrealismo de este escultor australiano. Un Colage de sus esculturas expuestas en diversos museos.

GUITARRA Y MANDOLINA

(Juan Gris)

Pintor español, (1887-1927) cuyo nombre real es José Victoriano Gonzáles Pérez, en quien predomina el estilo cubista. En Francia conocería a Picasso, mientras vivió en Montmartre. El Museo de Arte Reina Sofía en Madrid expone parte de sus obras, así como el Museo Tyssenh-Bornemisza.

ANÓNIMO VENEZIANO

ANÓNIMO VENEZIANO

Hermoso tema  de la película del mismo nombre con la interpretación de los actores Florinda Bolkan y Tony Musante, dirigida por Enrico Maria Salerno en 1970.

OVERLOOK CAFÉ I

OVERLOOK CAFÉ I
(Sung Kim)

Pintura de Sung Kim, está dentro de los pintores contemporáneos del realismo y naturaleza de pueblos costeros y paisajes.

PUT TO BLAME ON MAME

VE ESTE VÍDEO AQUÍ:  http://macpik2.wordpress.com/2010/01/02/put-to-blame-on-mame/